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Viz Media ha svelato il primo trailer e la key visual di One-Punch Man Stagione 3 Parte 2 durante il weekend del New York Comic Con 2026I JAM Project tornano con una nuova sigla di apertura intitolata “Never Done -SUPREME POWER VS ULTIMATE FEAR-”, anticipata nel trailerI nuovi episodi ci addentrano sempre più nella Saga dell'Associazione dei Mostri, che vedrà Tatsumaki protagonista di una resa dei conti epica in questo blocco

La seconda parte della terza stagione di One-Punch Man ha ufficialmente svelato le sue carte: durante il weekend del New York Comic Con 2026, Viz Media ha pubblicato il primo trailer e il poster degli episodi conclusivi. Questo annuncio inserisce di fatto le nuove puntate nel palinsesto degli anime dell'inverno 2027, con un debutto previsto per gennaio che riprenderà il filo lasciato in sospeso dalla prima metà della terza stagione, terminata nel 2025. Il tempismo coincide inoltre con il decimo anniversario del franchise.

Questa seconda parte continua l'adattamento della "Monster Association Saga" tratta dalla serie originale di ONE, che a oggi rappresenta l'arco narrativo più lungo del franchise. La terza stagione aveva inaugurato questo capitolo a tutti gli effetti, e i nuovi episodi promettono un'escalation negli scontri tra gli eroi di Classe S e i mostri più pericolosi dell'organizzazione. Tatsumaki si prepara a essere la protagonista di uno dei combattimenti più memorabili di questo ciclo, offrendo alla potente telepate quello spazio di rilievo che si andava costruendo fin dalla sua primissima apparizione.

Tutto sembra convergere verso l'inevitabile scontro finale tra Garou e Saitama, sebbene non sia ancora confermato se questo faccia a faccia avverrà all'interno di questo blocco di episodi. Per ora, il trailer e il poster preparano il terreno per una stagione interamente votata all'azione su larga scala, con il team creativo, le musiche e il materiale di partenza perfettamente allineati verso l'epilogo della saga.

Alla regia per J.C. Staff troviamo Shinpei Nagai, mentre Tomohiro Suzuki cura la composizione della serie e Makoto Miyazaki torna a firmare la colonna sonora. Il character design è affidato a un trio di artisti composto da Chikashi Kubota, Shinjiro Kuroda e Ryosuke Shirakawa, una scelta che assicura coerenza al linguaggio visivo in vista delle battaglie più intense dell'intero arco narrativo.

Il trailer offre anche un primo assaggio della nuova sigla di apertura, "Never Done -SUPREME POWER VS ULTIMATE FEAR-", eseguita dai JAM Project. Il ritorno del supergruppo, celebre per le sue anisong, consolida un sodalizio che risale alla primissima stagione dell'anime, quando firmò il brano originale "THE HERO!!". Già dal titolo, la nuova traccia lascia intuire la portata degli scontri imminenti, inquadrando la stagione come una collisione tra forza bruta e terrore assoluto.

La seconda parte della terza stagione di One-Punch Man farà il suo debutto a gennaio 2027, all'interno del palinsesto invernale degli anime; la data d'uscita esatta e la piattaforma di streaming non sono ancora state annunciate. Tutti gli episodi pubblicati finora, inclusa la prima metà della terza stagione, sono attualmente disponibili in streaming su Hulu, con audio sia in giapponese che in inglese.

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Shai Gilgeous-Alexander ha rivelato di aver disegnato personalmente a mano il mood del suo prossimo modello signature, la Nike SHAI 002Il modello rappresenta la sua seconda silhouette signature e il suo primo design totalmente inedito dopo il passaggio da Converse a Nike BasketballIl lancio della Nike SHAI 002 è previsto per l'inizio del 2027, con le specifiche tecniche e le immagini ufficiali ancora top secret

Nike e la superstar degli Oklahoma City Thunder, Shai Gilgeous-Alexander, stanno ultimando i preparativi per l'imminente lancio della Nike SHAI 002. In una recente intervista a TIME, Gilgeous-Alexander ha confermato di aver disegnato personalmente a mano il design della sua seconda signature silhouette.

Mantenendo un ruolo creativo in prima persona nella sua linea di calzature, Gilgeous-Alexander aveva già realizzato i primi bozzetti per la SHAI 001, per poi adottare lo stesso identico approccio per il modello successivo. Alla domanda su cosa i fan dovessero aspettarsi dalla nuova SHAI 002, il giocatore ha risposto nell'intervista: "Un design pazzesco. Perché l'ho disegnato io. Questo è tutto ciò che posso dirvi."

La SHAI 002 rappresenta il suo primo modello inedito realizzato interamente sotto la divisione principale di Nike Basketball, a seguito del suo passaggio ufficiale da Converse nel giugno del 2026. Se la sua silhouette di debutto era stata originariamente lanciata con Converse prima di ricevere il marchio Nike durante il Media Day di Oklahoma City, questo secondo modello conferma il coinvolgimento personale dell'atleta fin dalla sua genesi.

L'uscita della Nike SHAI 002 è prevista per l'inizio del 2027. Continuate a seguirci per ulteriori aggiornamenti sul lancio.

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LOEWE e On hanno lanciato la Cloudsolo Hiker, un'evoluzione pensata per l'outdoor della loro silhouette collaborativaLa sneaker presenta rinforzi in gomma sulla tomaia, occhielli metallici in stile scarponcino e una scanalatura più profonda per una trazione ottimale sui sentieriIl modello, proposto a 890 USD, debutta in tre varianti cromatiche ton-sur-ton ed è già disponibile presso retailer selezionati

LOEWE e On hanno ufficialmente ampliato la loro linea di calzature in collaborazione con il lancio della LOEWE x On Cloudsolo Hiker. Il nuovo modello riadatta la silhouette Cloudsolo originale della partnership, presentata nell'ottobre 2025, trasformandola in un'opzione ultra-resistente progettata per le massime prestazioni sui sentieri.

La silhouette si sviluppa a partire dalle tecnologie performanti distintive di On, mantenendo un'unità Cloud visibile nel tallone insieme alla struttura interna Speedboard per un ritorno di energia reattivo. Progettata per affrontare i terreni più impervi, la tomaia presenta rinforzi strutturati in gomma attorno alla fascia protettiva e ai pannelli laterali, completati da robusti occhielli per l'allacciatura tipici degli scarponcini.

La suola è dotata di scanalature più profonde per migliorare l'aderenza multisuperficie in qualsiasi condizione outdoor. LOEWE e On presentano la Cloudsolo Hiker in tre varianti cromatiche monocromatiche — cuoio, marrone scuro e nero — fondendo il design di lusso spagnolo con l'ingegneria sportiva svizzera.

La LOEWE x On Cloudsolo Hiker è ora disponibile al prezzo di 890 dollari presso selezionati rivenditori di lusso.

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POTR e doublet hanno realizzato una borsa senza un vero e proprio retro, ispirandosi ai singoli con doppio lato A dell'era dei CDIl design fonde un mini zaino e un borsone, abbinando il jacquard con monogramma POTR a una fodera turcheseLe tracolle e i manici intercambiabili permettono di indossarla crossbody o a mano, qualunque sia il lato visibile all'esterno

POTR unisce le forze con doublet per creare una borsa in co-lab che fonde un mini zaino e un borsone in un unico design double-face. Lungi dallo stabilire un fronte e un retro, la creazione eleva entrambe le facciate allo stesso livello, offrendo due look ben distinti in un'unica silhouette.

Un'idea che riflette in pieno la filosofia creativa di doublet. Il brand giapponese di Masayuki Ino concepisce capi dal fascino quotidiano e ultra-portabili giocando con l'ironia e l'effetto sorpresa, decostruendo elementi familiari per lasciare spazio all'inaspettato, fino a ottenere un risultato che sfugge all'ordinario. Ora, questa stessa visione rielabora la classica borsa firmata Yoshida & Co., prendendo in prestito l'estetica dei singoli su CD con doppio lato A, dove nessun brano passava in secondo piano.

Per Ino, il formato reversibile è una scelta precisa: il rifiuto di fermarsi a una sola interpretazione. "Lasciando indefinite le parti frontali e posteriori e ribaltando la prospettiva, prende vita una nuova forma d'espressione. Il verso cambia ogni volta che si indossa la borsa, risuonando in perfetta sintonia con l'umore e l'outfit della giornata", ha dichiarato.

Ognuna delle due facciate vanta una costruzione dedicata. Il lato zaino, realizzato in un originale tessuto jacquard lavorato con il monogramma POTR, presenta una tasca frontale con zip pensata per piccoli essenziali come auricolari wireless o burrocacao. Capovolgendo l'accessorio, il lato borsone svela una tasca con bottoni a pressione dal duplice utilizzo: quando si sfoggia la parte a zaino, i manici del borsone si ripongono ordinatamente all'interno di questo scomparto, assicurando una silhouette sempre impeccabile.

I dettagli cromatici fanno da trait d'union tra le due metà. Nelle versioni rosa e kaki, la fettuccia della zip è tinta in perfetta nuance con il tessuto principale, annullando di fatto ogni possibile subordinazione di un lato rispetto all'altro. All'apertura della borsa, gli interni si accendono con una fodera turchese, tonalità indissolubilmente legata all'identità di POTR.

La versatilità si estende anche all'uso quotidiano. L'accessorio è dotato di due tracolle intercambiabili – una regolabile e rimovibile, l'altra da polso – che si alternano a seconda del lato sfoggiato in primo piano. Che a dominare sia l'anima a zaino o quella da borsone, il design si trasforma agilmente per essere indossato a tracolla o portato a mano.

La borsa doublet x POTR farà il suo debutto il 10 ottobre presso il flagship store PORTER, nei punti vendita PORTER di Shinjuku e Kobe, da POTR Ikebukuro, Nagoya, Namba e Sapporo, da KURA CHIKA by PORTER a Fukuoka e presso il K11 ART MALL di Hong Kong, PORTER KOREA (Yeouido), PORTER BANGKOK, sullo store online ufficiale di Yoshida & Co. e presso una selezione di rivenditori doublet. I capi d'abbigliamento nati dalla co-lab saranno invece disponibili nel flagship store PORTER di Omotesando, da PORTER KOREA (Yeouido), da DOVER STREET MARKET GINZA, da st company KIRYU e da 10 Corso Como Seoul.

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Per Anyma, la musica elettronica va oltre il suono. Il DJ e produttore ha costruito un mondo audiovisivo che esplora la tecnologia, la fantascienza e il rapporto dell'umanità con l'era digitale. Con la trilogia di Genesys alle spalle, ora sta espandendo quella visione attraverso ÆDEN, un nuovo capitolo che continua a evolversi a ogni esibizione.

Dopo aver portato le sue produzioni allo Sphere di Las Vegas, al Coachella e alle Piramidi di Giza, Anyma debutta ora a Singapore durante il weekend di gara di Formula 1. L'esibizione segna un ritorno alle sue radici da club, portando il suo ultimo mondo audiovisivo in un ambiente diverso dopo una serie di spettacoli su larga scala. Salirà sul palco del MARQUEE Singapore il 10 ottobre 2026.

Fai il tuo debutto a Singapore proprio nel bel mezzo del weekend di gara, uno dei fine settimana più importanti della città. Cosa non vedi l'ora di vivere mentre sei qui?

Vivere appieno Singapore e la sua gente, perché è un paese magnifico, così come lo è tutto il Sud-est asiatico in generale. Questa regione in particolare mi ha profondamente ispirato, sia nelle sue forme moderne che in quelle antiche.

“Ogni show di ÆDEN è diverso, con una narrazione in continua evoluzione attraverso nuove canzoni e contenuti visivi.”

L'aspetto visivo è diventato un elemento distintivo dell'esperienza Anyma. Cosa vuoi che provino le persone quando lo vedono dal vivo?

Voglio che le persone provino un'emozione più profonda rispetto a una semplice esibizione da festa. Spero che l'esperienza risulti preziosa per i fan e che le narrazioni tematiche su futuro, passato, umanità e tecnologia riescano a risuonare nel profondo. Naturalmente, si tratta di aspetti perlopiù soggettivi e aperti all'interpretazione, ma se il pubblico esce da uno show di ÆDEN sentendosi in qualche modo commosso, allora ho raggiunto il mio obiettivo.

Anyma è cresciuto fino a diventare un intero mondo che va oltre la musica. A questo punto, dove finisce Matteo e dove inizia Anyma?

La creazione del progetto Anyma è stata in realtà solo un riflesso combinato di chi sono e di quali sono state le mie passioni per tutta la vita. I videogiochi, gli anime, la fantascienza e i mondi fantasy mi hanno influenzato enormemente al di fuori della musica, quindi Anyma è nato come il modo migliore che conoscessi per racchiudere tutta la mia sfera personale in un unico alter ego.

Dopo aver trascorso anni a costruire Genesys, ora hai iniziato un nuovo capitolo con ÆDEN. Cosa volevi fare di diverso questa volta?

Volevo prendere gli stessi temi della storia di Genesys e spingere quella narrazione verso la sua forma successiva, verso qualcosa che trovo persino più attuale rispetto a come sta cambiando il nostro mondo. ÆDEN è ancora una storia che parla di tecnologia e umanità, che nella nostra linea temporale reale sembrano costantemente in conflitto, ma non nella mia storia. Ogni show di ÆDEN è diverso, con una narrazione in continua evoluzione attraverso nuove canzoni e visual. Spesso creiamo momenti e storie specifici appositamente per determinati show e paesi.

“Voglio che le persone provino un'emozione più profonda rispetto a una semplice esibizione da festa.

Dal Coachella allo Sphere fino alle Piramidi di Giza, hai portato Anyma su palcoscenici incredibili. Cosa non vedi l'ora di fare, portando quel mondo al MARQUEE?

Ogni spettacolo è speciale ed è divertente sfidare noi stessi per spingere il progetto a livello creativo e offrire un'esperienza che le persone, si spera, ricorderanno come pensata appositamente per loro, lì nel loro ambiente. Lo show al MARQUEE dovrebbe essere più intimo, un ritorno divertente alle mie radici da club, ma in uno spazio che ci offre comunque una tela da cui partire, dal punto di vista della produzione e dell'aspetto visivo.

Singapore vivrà Anyma dal vivo per la prima volta. Cosa speri che il pubblico ricordi andandosene da quella serata?

Spero che si sentano soprattutto ispirati e riflessivi. Voglio presentarmi alla community di Singapore offrendo la migliore esperienza possibile e dettare il ritmo per il resto del weekend di gara di F1.

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Takehiko Inoue e New Era collaborano per celebrare il 17° volume di Real.La collezione comprende cappellini 9TWENTY low-profile, il numero di maglia 99 ricamato e stampe interne delle tavole del manga.Include modelli regolabili e t-shirt con grafiche in cotone pesante che mostrano le iconiche illustrazioni del manga.

Il celebre mangaka Takehiko Inoue — noto per opere fondamentali come Slam Dunk e Vagabond — ha unito le forze con New Era per una collaborazione celebrativa incentrata sulla sua acclamata serie sul basket in carrozzina, Real.

Creata per celebrare l'uscita del 17° volume del manga, la collezione congiunta trasforma la narrativa intensa e profondamente umana della serie in abbigliamento lifestyle e headwear. Il cuore della capsule esalta i modelli 9TWENTY destrutturati e a basso profilo di New Era, offrendo una vestibilità comoda e una corona abbassata dal tocco casual. Tre varianti mettono in risalto Kiyoharu Togawa, Tomomi Nomiya e Hisanobu Takahashi, mantenendo i dettagli specifici dei personaggi introdotti nel primo lancio. Ogni cappellino presenta inoltre una fodera interna stampata con scene memorabili selezionate dall'ultimo volume del manga, il Volume 17, inserendo un richiamo più sobrio alle illustrazioni di Inoue sotto una silhouette da baseball altrimenti familiare.

Il lancio della collezione 9TWENTY Real x New Era in Giappone è previsto per il 15 ottobre 2026 alle 10:00 JST, con ogni cappellino al prezzo di 6.600 JPY (circa 44 USD). La collezione sarà disponibile sullo store online ufficiale di New Era Japan.

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Nome: BSTN x Salomon XT-6 IRIDESCENT
Colorway: Black/Almond Milk
SKU: L45567700
Prezzo consigliato: $300 USD
Data di uscita: 10 ottobre
Dove acquistare: BSTN

BSTN e Salomon hanno unito le forze per la loro prima collaborazione footwear, rivisitando il modello XT-6 attraverso il concept "5 A.M.", ispirato al silenzioso passaggio dalla notte al giorno.

Ufficialmente proposta nell'unica colorazione "Black/Black/Almond Milk", la scarpa si presenta visivamente con una base in mesh che sfuma dal blu scuro al nero, arricchita da rivestimenti in TPU cangianti sui toni del celeste, che cambiano colore quando vengono colpiti dalla luce. Questa superficie cangiante conferisce alla tomaia, altrimenti tecnica, una qualità quasi perlescente, mentre le cuciture bianche a contrasto (compreso l'inconfondibile dettaglio a zigzag sulla linguetta) definiscono la base più scura. La suola, prevalentemente nera, mantiene la palette su toni sobri, lasciando che siano i dettagli riflettenti della tomaia a dominare il design. La soletta sagomata, invece, sfuma da un blu freddo a un arancione caldo, riflettendo le prime luci del mattino.

La silhouette conserva le caratteristiche tecniche ad alte prestazioni che hanno reso celebre questo modello. La tomaia è realizzata in mesh monostrato traspirante, rinforzata con pannelli in TPU altamente resistenti all'abrasione, il tutto assicurato dall'iconico sistema quickLACE di Salomon e dalla struttura endoFit, che garantiscono una calzata precisa e avvolgente. Dotata del sistema agileCHASSIS per una stabilità e un'ammortizzazione eccellenti, la scarpa poggia su una robusta suola Mud Contagrip con scanalature profonde e affilate, perfette per affrontare terreni di ogni tipo. A celebrare la partnership, troviamo eleganti dettagli co-branded sul tallone laterale e un'etichetta personalizzata BSTN con lo slogan condiviso "Common Ground" posizionata con cura sotto il sistema di allacciatura.

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• Informazioni sul brand: Il marchio sudcoreano di design Gentle Monster è in continua evoluzione, guidato dalla filosofia delle "sperimentazioni innovative di alta gamma". Le sue silhouette all'avanguardia e le cromie vibranti lasciano sempre un segno audace, che si tratti di completare i look sulle passerelle delle fashion week internazionali o di dare vita a collaborazioni artistiche di punta.
• Fascia di prezzo: 235,00 USD - 335,00 USD
• Dove acquistare: Disponibile ora su HBX

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Sci-Fi Fantasy e Come Tees hanno unito le forze per una capsule collection che fonde le grafiche dipinte a mano di Sonya Sombreuil con la tipografia firma di Sci-Fi Fantasy.Prodotta a Los Angeles, la linea comprende una t-shirt Dragon bianca, una t-shirt Girl magenta, una ringer tee Girl celeste, una felpa con cappuccio e zip decorata con farfalle e un cappellino trucker "Fantasy" con borchie.La capsule collection Sci-Fi Fantasy e Come Tees è ora disponibile sui siti ufficiali di Sci-Fi Fantasy e Come Tees.

Sci-Fi Fantasy e Come Tees uniscono le forze per fondere il brand skate dalla forte impronta grafica di Jerry Hsu con l'etichetta streetwear DIY di Los Angeles fondata da Sonya Sombreuil. La collezione combina le grafiche dal tocco artistico dipinte a mano e i motivi ricorrenti della Sombreuil, come i draghi e le immagini "Girl" da lei stessa così battezzate, con la tipografia inconfondibile e l'estetica audace e disinvolta di Sci-Fi Fantasy.

La collezione è realizzata a Los Angeles su capi neutri su misura, utilizzando jersey di cotone tinto in capo, serigrafato e successivamente lavato con enzimi per un morbido effetto vintage. La proposta della collaborazione comprende: una t-shirt Dragton bianca dal taglio boxy, una t-shirt Girl magenta acceso dal fit anni '90, una t-shirt ringer Girl azzurra con scollo marrone, una felpa con zip color foglia di tè decorata da una farfalla con logo a rilievo, e un cappellino trucker "Fantasy" blu scuro con borchie.

Lo skater professionista, fotografo e artista Jerry Hsu ha fondato Sci-Fi Fantasy nel 2017. Nato come account Instagram sperimentale popolato da immagini lo-fi e criptiche, il marchio si è poi trasformato in una linea di abbigliamento e articoli da skate dal seguito di culto. La pittrice Sonya Sombreuil ha lanciato Come Tees nel 2009: una piccola realtà indipendente, dal sapore laboratoriale, in cui i capi neutri si trasformano in vere e proprie tele per le sue grafiche disegnate a mano, i tratti frastagliati e l'immaginario surreale.

Questa collaborazione suggella l'amicizia di lunga data tra due creativi che si stimano a vicenda: entrambi i marchi, infatti, sono piccole realtà guidate da artisti, basate su edizioni limitate e su una produzione rigorosamente made in Los Angeles. Parlando della collezione e del lavoro al fianco della Sombreuil, Hsu ha raccontato sull'account Instagram di Sci-Fi Fantasy: "È un'artista incredibile e realizza alcuni dei capi d'abbigliamento più interessanti in cui mi sia mai imbattuto. Da molto tempo parlavamo di fare qualcosa insieme, ed è davvero una grande soddisfazione esserci finalmente riusciti". Ha poi aggiunto che la collezione risulta "un po' diversa da ciò che proponiamo di solito, e siamo davvero felici del risultato finale".

La capsule collection di Sci-Fi Fantasy e Come Tees è ora disponibile su scififantasy.co e shop-cometees.biz.

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Manual, il brand newyorkese di lifestyle legato al mondo della fotografia, ha appena inaugurato il suo primo negozio permanente, Manual Photo Lab, a ChinatownAl numero 89A di Allen Street, lo spazio è concepito come un punto di ritrovo, laboratorio di sviluppo, negozio di attrezzature, rifornito di macchine fotografiche, pellicole, libri, fanzine e molto altroInaugurato con una mostra di Leon Xu, il fondatore Malcom Dia ha annunciato che sono già in programma nuove esposizioni, presentazioni di fanzine, DJ set e workshop

New York ama Manual, e Manual ama New York. Fin dalla sua fondazione, quasi un decennio fa, il marchio è rimasto fedele alla sua principale comunità creativa, che va dagli appassionati di fotografia ai semplici curiosi, con un flusso costante di pop-up, feste e mostre in giro per la città. Ora, con l'apertura del Manual Photo Lab, il suo primo avamposto permanente, i fan della prima ora e i nuovi arrivati hanno un luogo di ritrovo fisso.

Lo spazio di quasi 40 metri quadrati a Chinatown si ispira ai negozi di fotografia a conduzione familiare in cui è cresciuto il fondatore Malcolm Dia, luoghi che non solo erano specializzati in attrezzature, ma fungevano anche da punto di incontro per artisti affini e immersi nella loro arte. "Erano i posti in cui le persone si incontravano, si scambiavano consigli e ritiravano i rullini. Pensiamo che ci sia un reale desiderio per questo tipo di luoghi, specialmente tra i più giovani che stanno riprendendo in mano la macchina fotografica", ha affermato.

Sugli scaffali, accanto alle fotocamere digitali e usa e getta del marchio, entrambe disponibili in una miriade di colori, si trovano pellicole Kodak, libri, fanzine e merchandising di editori locali e internazionali, come Loose Joints, Super Labo, Pomegranate Press, Monolith Editions e Dobedo UK. Il negozio offre anche lo sviluppo di pellicole, con lo sviluppo a colori in 35 mm a partire da 15 dollari e tempi di consegna da due a tre giorni lavorativi.

Lo spazio è stato inaugurato con una mostra presentata in collaborazione con Silvertooth Agency, caratterizzata da un dipinto originale di Leon Xu e da opere di artisti emergenti. Presto arriveranno altre mostre, lanci di fanzine, DJ set e workshop.

Per quanto riguarda il design, curato da Protean Practice, è stato concepito per ricordare le fotocamere digitali trasparenti "HOLO": i pannelli trasparenti sul davanti mantengono intatta la facciata originale dell'edificio e la muratura del XIX secolo, mentre una tenda semitrasparente lascia filtrare la luce attraverso il laboratorio fotografico sul retro. L'acciaio grezzo e il compensato ruvido aggiungono un tocco industriale e chic, insieme al sistema di altoparlanti su misura e alla panca per la lettura che costeggia il lato del negozio.

Manual ne ha fatta di strada dal suo bancone del caffè pop-up con sportello per la consegna dei rullini nell'estate del 2019, a pochi passi dalla sua nuova sede. Ma anche allora sapeva bene come attirare la folla.

Chinatown è stata una scelta mirata, data la storia del quartiere, ricca di attività a conduzione familiare, studi fotografici e tipografie. "Siamo nuovi qui, quindi il nostro compito è essere dei buoni vicini", ha detto Dia. "Questo significa essere aperti a tutti, mantenere prezzi accessibili affinché le persone possano usare il laboratorio e creare spazio per fotografi e artisti locali".

Aperto dal martedì alla domenica, dalle 11:00 alle 19:00, andate a scoprire il negozio di persona:

Manual Photo Lab
85A Allen Street,
New York, NY 10002

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Non possiamo farci niente: Roy Lichtenstein è ovunque. Dai pixel che compongono le immagini sullo schermo al tratto spesso e sfacciato dei più grandi creativi di oggi, fino allo scatto di una frazione di secondo di un'eroina in lacrime, il suo impatto è quasi impossibile da ignorare. È veloce, ti sbatte in faccia. Ma in che modo il suo familiare linguaggio fatto di fumetti e puntini ha eclissato una storia molto più complessa?

“Solo perché riusciamo a riconoscere qualcosa, non significa che ne comprendiamo appieno il senso”, ha affermato Meg Onli, una delle curatrici di Roy Lichtenstein: Like New. Inaugurata al Whitney Museum di New York l'11 ottobre, la mostra riunisce oltre 130 opere del maestro della Pop Art, tra cui dipinti, disegni, collage, stampe e sculture, create nell'arco della carriera sessantennale di Lichtenstein. E sebbene le sue tele ispirate ai fumetti siano numerose, l'esposizione porta alla luce anche filoni meno noti che riflettono l'artista, sia per come vedeva se stesso, sia per come il suo amore, allora radicale, per l'accostamento tra cultura alta e bassa si adatterebbe perfettamente alla realtà odierna del pubblico, sempre più incollato allo schermo.

Dagli insegnamenti seri, e decisamente singolari, di Hoyt Sherman alla Ohio State University, che in seguito si riveleranno formativi per la visione del segno da parte di Lichtenstein, fino alle opere create nel suo ultimo anno di vita, che si ricollegano alla mostra del 1997 al piano di sopra, Like New fa luce sull'artista che aveva compreso il futuro delle immagini e dimostra una profonda sensibilità per la continua costruzione e decostruzione del significato. La riproduzione introduttiva di quasi 30 metri del suo “Greene Street Mural” (1983), uno dei quattro murales ricreati dallo studio del co-curatore e artista Alex Da Corte, dà subito il tono giusto.

Uno dei momenti salienti dal punto di vista storico è un vero e proprio viaggio a ritroso nella New York di Lichtenstein: una ricostruzione, all'interno della galleria, della prima personale dell'artista nel 1962 presso la galleria Leo Castelli. È la prima volta che tutte le opere vengono riunite da allora, compreso “Laughing Cat” (1961), originariamente di proprietà di Andy Warhol. Ci sono poi alcune delle sue eroine più note: “Drowning Girl” (1963), “Crying Girl” (1963) e “Girl in Window (Study for World's Fair Mural)” (1963), anch'essa ingrandita a dismisura sul balcone esterno. Accanto ad esse si trovano riproduzioni e fonti quasi identiche, come il duplicato di Elaine Sturtevant, per il quale Lichtenstein fornì gli stencil. Firmò persino un dipinto di Raymond Pettibone come se fosse quello autentico. Più che la singola copia, Lichtenstein amava la copia della copia: un'ossessione che continua a essere fondamentale per la nostra cultura contemporanea del repost e per le nuove associazioni che un'immagine accumula a ogni condivisione.

“Rallentare il modo in cui si guarda a Lichtenstein era il nostro desiderio fin dall'inizio.” — Alex Da Corte

Con pennellate così nette che sareste perdonati se le pensaste realizzate a macchina, la ricchezza concettuale dell'opera di Lichtenstein viene spesso messa in ombra dalla sua finezza tecnica (e se ci fosse qualche dubbio sul potere del marchio Lichtenstein, date un'occhiata al pile Gap a pois Ben-Day). “Rallentare il modo in cui si guarda a Lichtenstein”, un artista celebrato per la sua immediatezza, “era il nostro desiderio fin dall'inizio”, ha spiegato Da Corte. “Enfaticamente fatto a mano” è una descrizione che riecheggia continuamente in tutta la mostra al Whitney, e in essa c'è la speranza di umanizzare il rapporto con le opere, restituendo un po' di personalità al loro tocco.

Onli e Da Corte hanno ammesso di non essere “specialisti della Pop Art” quando hanno accettato di curare Like New. Onli, che ha curato la Biennale del Whitney del 2024, aveva precedentemente diretto l'Underground Museum di Noah Davis, mentre Da Corte, artista concettuale venezuelano-americano e già partecipante alla Biennale di Venezia del 2019, è noto per le sue interpretazioni immersive e sature di colore della cultura pop americana. Ma le loro esperienze potrebbero attrarre una nuova generazione di appassionati d'arte, consentendo loro di contestualizzare la pratica di Lichtenstein all'interno di territori finora inesplorati. Come l'elegante spruzzata di ketchup che Da Corte aggiunge su un cartellone pubblicitario riadattato di “Hot Dog” dall'altra parte della strada, sanno come assecondare i gusti del pubblico, sfidandoci al contempo a comprendere l'artista sotto una nuova luce. Prima dell'apertura, Onli e Da Corte ci hanno illustrato i tanti puntini presenti in Like New, e come collegarli.

In che modo i vostri rispettivi background hanno influenzato l'approccio curatoriale?

Meg Onli: Non ci siamo avvicinati all'opera di Lichtenstein in quanto specialisti della Pop Art. Ognuno di noi ha le proprie aree di interesse, quindi volevamo davvero portare le nostre storie e passioni personali come un modo per guardare a Lichtenstein sotto una luce diversa.

Alex Da Corte: Come artista che lavora attivamente in studio, ho ritenuto importante collocare e rispettare Roy e il suo lavoro nel momento in cui lo creava e scoprire in che modo si esprimesse attraverso di esso. È diventato un filo conduttore essenziale per me e Meg nella curatela della mostra capire e citare come lui stesso dava parola alle sue opere nel momento in cui le realizzava.

Quali sono le sfide nel curare una mostra di un artista onnipresente come Lichtenstein? E quali opportunità offre?

Da Corte: La cosa curiosa di Lichtenstein è che è ovunque. La sua influenza ci circonda, anche se non sappiamo che qualcosa che stiamo guardando potrebbe derivare da lui. Questa è stata la sfida nel realizzare questa mostra: è immediata, veloce, grafica e audace. Eppure, le sue idee intorno all'opera sono molto lente e concettuali e, francamente, molto singolari, come abbiamo scoperto. Rallentare il modo in cui si guarda a Lichtenstein era il nostro desiderio fin dall'inizio.

Onli: Ha davvero creato un'opportunità per me e Alex di guardare indietro e cogliere alcune di quelle questioni fondamentali che operavano oltre la sua persona, o oltre le tele. Alcune di queste includono la sua prima formazione alla Ohio State University. È profondamente interessato alle idee della scienza; già dal '65 inizia a parlare dei suoi puntini in relazione ai dati. Non si limita esclusivamente alla narrativa della stampa che abbiamo costantemente visto con un artista come lui.

“Non si limita esclusivamente alla narrativa della stampa che abbiamo costantemente visto con un artista come lui.” — Meg Onli

Ci sono stati fili conduttori o narrazioni inaspettate che vi hanno colpito particolarmente durante questa esperienza?

Onli: Ciò che la mostra fa di diverso rispetto ad altre esposizioni precedenti è osservare come potesse prendere immagini di partenza — che a volte apparivano su un giornale, un fumetto o persino un libro di storia dell'arte — e non solo ingrandirle su scala di tela, ma arrivare davvero a dare un senso di scala architettonica. Ci sono 4 murales dipinti a mano in tutta la mostra. Questa era una cosa a cui io e Alex tenevamo molto: introdurli e renderli un'esperienza unica di questa esposizione.

Da Corte: Per riallacciarmi a questo punto, il lavoro di Roy era fatto a mano, quindi molto spesso, quando si vede quest'opera riprodotta, ha una finitura lucida; non si nota che la maggior parte presenta segni di matita, cancellature e palinsesti che evidenziano il suo legame con il processo creativo dell'opera. Per me, è stata una grande scoperta e qualcosa che continua a insegnare molto sul creare e sul dedicare tempo a un'opera d'arte.

In che modo Lichtenstein ha plasmato il nostro mondo contemporaneo delle immagini e il modo in cui le trattiamo?

Da Corte: Iniziamo la mostra con “Greene Street Mural”. Questa sequenza di simboli e immagini che Roy utilizzò nel 1983 è molto simile al nostro flusso costante di immagini che viviamo sui feed dei social media. La sua tendenza a stratificare e duplicare se stesso nel suo lavoro e questa idea di autoreferenzialità è intrinseca al modo in cui oggi comprendiamo noi stessi in relazione al mondo e alle immagini. La mostra parla sia di questo sia al pubblico più giovane che vive quotidianamente questo tipo di comunicazione.

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Apple e The King's Trust portano la loro partnership a un livello superiore con il lancio del nuovo programma educativo Creative Labs.

Consapevole di quanto le disuguaglianze sistemiche e l'esclusione scolastica incidano direttamente sui giovani nel Regno Unito, Creative Labs punta sul potere dell'accessibilità come chiave per costruire una carriera di successo. Forte del solido impegno di entrambe le realtà nel coltivare i giovani talenti, questa iniziativa collaborativa schiera esperti del settore per trasmettere competenze inestimabili, moltiplicare le opportunità e abbattere le barriere all'ingresso nelle industrie creative.

Oltre a unire le forze per garantire l'accesso ai contatti chiave del settore attraverso programmi di mentoring e una formazione mirata sulle più recenti tecnologie Apple, l'iniziativa aiuterà i partecipanti a scoprire le proprie passioni, alimentare la creatività e trasformare le idee in realtà.

«Mi permette di ritrovare me stesso da giovane e di dare a questi ragazzi una piccola spinta in una direzione che, da soli, forse non prenderebbero in considerazione. Essendo un creativo che ha dovuto combattere contro i giganti per trovare la propria strada nel settore, per me è un'opportunità davvero speciale», racconta a Hypebeast Prophet Guillory, responsabile di Artist Services, Tools e Community di Apple Music. «Lasciare il mondo un po' migliore di come lo si è trovato: è stata una delle primissime cose che mi hanno detto si potesse fare lavorando da Apple. A undici anni di distanza, sono qui per dirvi che è la verità.»

Il programma ha preso il via questa settimana nella nuovissima Apple Music Hall presso la Battersea Power Station, dove venti giovani si sono uniti a Guillory per partecipare a workshop immersivi incentrati sulla musica. Tra tutorial su Logic Pro utilizzando gli iPad e sessioni alla scoperta delle diverse strade da intraprendere nel settore, i partecipanti hanno potuto incontrare ospiti speciali a sorpresa del calibro di re Carlo, Tim Cook e Sir Elton John. Hanno inoltre avuto un accesso esclusivo al dietro le quinte del soundcheck di Sky Newman e assistito in prima fila a un'esibizione intima di Nectar Woode.

Con l'obiettivo di fornire alla prossima generazione di creativi gli strumenti per liberare tutto il proprio potenziale, Creative Labs punta a diventare un vero e proprio hub in continua evoluzione per la creatività e la ricerca. Al programma inaugurale seguiranno, nel corso del prossimo anno, ulteriori sessioni che esploreranno altre discipline creative all'interno dell'ecosistema Apple.

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Guardate il video qui sopra per seguire l'accesso esclusivo di Hypebeast al primo workshop di Creative Labs. Per maggiori informazioni sulla programmazione dell'Apple Music Hall, visitate il sito web.

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Il mondo KidSuper di Colm Dillane non è mai stato all'insegna della prudenza. Quindi, è del tutto naturale che il designer di Brooklyn trovi dei punti in comune con i supercattivi più celebri della DC Comics per la sua ultima collaborazione.

Unendo le forze con DC e Warner Bros. Discovery Global Consumer Products, KidSuper porta otto dei supercattivi più iconici della DC nel suo colorato universo disegnato a mano per una nuova collezione che spazia dall'abbigliamento agli articoli per la casa, fino agli oggetti da collezione.

La lineup include Joker, Catwoman, Poison Ivy, il Pinguino, l'Enigmista, Mr. Freeze, Clayface e Bane. Ognuno di loro vanta una reinterpretazione della caratteristica Face Hoodie di KidSuper, accompagnata da oggetti da collezione ispirati alle rispettive personalità. Tra questi figurano un vaso per le piante di Poison Ivy, dei fermalibri di Clayface, un puzzle dell'Enigmista e persino un ombrello del Pinguino. La collezione presenta inoltre un piumino termosensibile di Mr. Freeze e un trench di Catwoman.

"Ho sempre desiderato che KidSuper diventasse un vero e proprio supereroe. Lavorando con DC e WBDGCP ci stiamo avvicinando più che mai", condivide Dillane. "È stato davvero speciale esaminare gli archivi e vedere i primi schizzi di alcune delle IP più iconiche mai create e pensare che siano nati come semplici scarabocchi."

Per celebrare il lancio, KidSuper dà vita alla collezione attraverso l'attivazione di una "Rogues Gallery" a Brooklyn, con opere d'arte originali, oggetti e installazioni. Aperta al pubblico dal 20 al 23 ottobre, la collezione sarà disponibile in esclusiva sul posto, per poi approdare online su KidSuper.com il 23 ottobre alle 12:00. I prezzi variano da 15 a 850 dollari.

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Snoh Aalegra ha svelato in anteprima "Run Free" l'8 ottobre, il suo primo brano inedito dal 2023 e un primo assaggio del suo prossimo album, 'A Legendary Love'.La traccia fonde il soul classico con influenze pop anni '80 e richiami a Prince, accompagnata da un video musicale diretto da Alfred Marroquin.Non è ancora stata annunciata alcuna data di uscita per "Run Free" o 'A Legendary Love'.

Siamo sempre più vicini alla nuova musica di Snoh Aalegra. L'8 ottobre, la cantante svedese ha condiviso in anteprima il suo brano "Run Free" sui suoi profili social, offrendo ai fan un primo assaggio del suo prossimo progetto, A Legendary Love. L'attesissimo album sarà il primo progetto discografico di Snoh dal 2021, anno di uscita di Temporary Highs in the Violet Skies.

"Run Free" va ad aggiungersi alla lunga lista di ballad senza tempo di Snoh, segnando il suo primo inedito dal 2023, con un brano che sembra nato per fare da colonna sonora al finale di un film di formazione. L'influenza di Prince e del pop anni Ottanta è evidente nella raffinata produzione della canzone: nel suo inconfondibile stile, Snoh Aalegra fonde il soul classico con texture moderne, creando un paesaggio sonoro cinematografico e profondo che parla di amore, cuori infranti e introspezione.

Nel video musicale, caratterizzato da un'estetica minimalista e sgranata e diretto da Alfred Marroquin, Snoh canta: "Trouble before me, I can’t see. My love is forever, here I see / Falling in and out of my mind, don’t ever see it through / I know it won’t change anything, but I wanted to / I used to see, I used to see two hearts run free", mentre percorre strade tortuose, deserte e alberate sui sedili posteriori di una BMW d'epoca. 

Essendo "Run Free" il suo primo brano dal 2023, i fan sono in trepidante attesa e hanno già scovato una copertina pixelata dell'album e alcuni teaser sul suo sito web, alegendarylove.com. La data di uscita ufficiale di "Run Free" e di A Legendary Love non è ancora stata annunciata.

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Da tempo Bangkok ospita alcuni dei collezionisti di orologi più appassionati al mondo. Ora sta costruendo un palcoscenico internazionale all'altezza. La seconda edizione della Siam Paragon Bangkok Watch Week, tenutasi dal 22 al 27 settembre 2026, ha dimostrato chiaramente la crescente influenza della capitale thailandese sul calendario orologiero globale. Attirando oltre 40.000 visitatori in sei giorni, l'evento ha acceso i riflettori sul mondo dell'alta orologeria, posizionando Bangkok come punto d'incontro per il lusso, l'artigianato e una fiorente cultura del collezionismo.

Ospitata da Siam Piwat presso il Siam Paragon, l'edizione di quest'anno ha riunito oltre 45 storiche maison di orologeria e creatori indipendenti. Nomi noti come Cartier e Vacheron Constantin sono stati affiancati da nuovi arrivi come MB&F e Ressence. Più di 200 novità hanno condiviso i riflettori con il debutto nel Sud-est asiatico della Fondation de la Haute Horlogerie (FHH). Eppure, al di là di un parterre sempre più ricco e delle presentazioni esclusive, la vera ambizione della Bangkok Watch Week è stata quella di avvicinare il settore al suo pubblico.

A differenza dei formati a porte chiuse delle tradizionali fiere orologiere europee, Siam Piwat ha intenzionalmente privilegiato la creazione di una community e l'inclusività rispetto a un allestimento fieristico standard. Caroline Murphy, President of Strategic Project Development presso Siam Piwat, fa notare come l'azienda affronti il retail in modo fondamentalmente diverso rispetto ai tradizionali operatori immobiliari. "Non volevamo creare un altro evento puramente commerciale", spiega Murphy. "Il nostro vero obiettivo, per il quale ci sono voluti anni di lavoro, era dare vita a una settimana in cui i collezionisti, le maison, i marchi e la community globale potessero riunirsi per elevare davvero la cultura dell'orologeria in Thailandia."

"Creiamo uno spazio inclusivo in cui ogni brand può contribuire alla conversazione attraverso The Symposium e al coinvolgimento tramite The Experiences." - Thanaporn Tantiyanon, Managing Director di Siam Paragon

Murphy sottolinea inoltre che, mentre le fiere tradizionali spesso si rivolgono ai consumatori con un approccio sbrigativo del tipo "vieni, guardi gli orologi, li compri o ci pensi", la Bangkok Watch Week ha scelto di coltivare legami duraturi. "Gli orologi uniscono le persone", afferma. "Non c'è nessuno al mondo che non guardi un orologio e non ne comprenda lo scopo."

La strategia è stata un successo clamoroso. L'edizione 2026 è cresciuta in modo significativo rispetto all'anno inaugurale, accogliendo oltre 40.000 partecipanti e più di 400 collezionisti internazionali nell'arco di sei giorni. I presenti hanno potuto ammirare oltre 200 novità, spaziando tra maison storiche e innovatori contemporanei. La selezione ha visto il ritorno di titani come A. Lange & Söhne e BVLGARI, insieme a nuovi partecipanti come Tudor e Greubel Forsey. Tra i momenti salienti spiccano la presentazione in anteprima mondiale della collezione Knights of the Round Table di Roger Dubuis, il debutto nel Sud-est asiatico della storica maison svizzera Universal Genève e il lancio del segnatempo Bangkok Limited Edition Aquis di Oris, limitato a soli 50 esemplari. Anche Breguet ha onorato la sua eredità con una presentazione per commemorare il 225° anniversario del Tourbillon.

Per Siam Piwat, creare questo spazio inclusivo era fondamentale per rispondere alle mutevoli aspettative del consumatore di lusso di oggi. "I clienti del Sud-est asiatico sono viaggiatori globali molto sofisticati", afferma Murphy. "Quando entrano in una boutique di orologi, prima di tutto cercano un segnatempo eccezionale e un servizio eccellente". Sottolinea inoltre che il cliente moderno desidera una connessione che non sia puramente transazionale. "Amano anche lo storytelling e vogliono capire come viene realizzato un orologio", osserva.

Thanaporn Tantiyanon, Managing Director di Siam Paragon, sottolinea che questo approccio orientato alla community è ciò che distingue la destinazione. "Offriamo una nuova piattaforma per la condivisione delle conoscenze orologiere", fa notare. "Questo ci differenzia dagli altri eventi del settore. Creiamo uno spazio inclusivo in cui ogni brand può contribuire al dialogo attraverso The Symposium e all'interazione tramite The Experiences".

Uno dei momenti più attesi della settimana è stato il debutto regionale della FHH Academy Lounge, a conferma della maturità e dell'entusiasmo della community orologiera locale. Aurélie Streit, Vice President della FHH, considera il ruolo dell'organizzazione come un ponte essenziale nell'odierna cultura dell'orologeria, sempre più in espansione. "Man mano che la cultura dell'orologeria diventa più globale e raggiunge nuovi pubblici, riteniamo sia importante che una conoscenza affidabile e strutturata viaggi di pari passo", spiega Streit. "Il nostro ruolo non è dire alle persone cosa dovrebbe piacergli, ma fornire loro le chiavi per comprendere l'orologeria e sviluppare un proprio gusto personale".

La presenza della FHH mirava a demistificare l'alta orologeria per i neofiti. "Un malinteso comune è credere di dover avere fin dall'inizio grandi conoscenze tecniche. Non è così. Il miglior punto di partenza è la curiosità", condivide Streit. Offrendo un apprendimento interattivo, come la certificazione FHH Watch Advisor, l'evento ha messo l'accessibilità al centro. "Più si capisce un orologio, più se ne apprezza l'artigianalità, la storia e l'ingegnosità del movimento", aggiunge.

Streit ci tiene molto anche a valorizzare le diverse sfumature umane che si celano dietro l'artigianato, sfatando il mito secondo cui l'orologeria sia un settore dominato esclusivamente dagli uomini. "Se si entra nelle manifatture e si incontrano le persone che creano gli orologi, si nota che l'ambiente è diviso a metà tra uomini e donne", rivela, ricordando che, dai classici contadini orologiai svizzeri fino alle moderne esperte nello sviluppo dei movimenti come Carole Kasapi, le donne sono storicamente state fondamentali per il savoir-faire più delicato del settore.

"Nei prossimi due o tre anni diventeremo più grandi, migliori e avremo un impatto ancora più incisivo sul calendario globale." - Caroline Murphy, President of Strategic Project Development presso Siam Piwat

In fin dei conti, questa connessione umana è ciò che eventi fisici come la Bangkok Watch Week riescono a offrire, a differenza del mondo digitale. "Le piattaforme digitali e le nuove tecnologie sono strumenti straordinari per rendere le informazioni accessibili, ma non possono sostituire il confronto con un esperto, un orologiaio, un formatore o un altro grande appassionato", afferma Streit. "Non serve possedere un orologio straordinario per nutrire un interesse straordinario verso l'orologeria".

Mentre i consumatori di lusso cercano sempre più autenticità, heritage ed esperienze inestimabili rispetto alle semplici transazioni, la Bangkok Watch Week è perfettamente posizionata per il futuro. L'incredibile risposta internazionale, con collezionisti in arrivo da Medio Oriente, Giappone, Corea e Cina, dimostra che l'influenza orologiera di Bangkok è in continua crescita. Riflettendo sulla rapida ascesa dell'evento, Murphy guarda con ottimismo all'eredità che lascerà sul calendario mondiale dell'orologeria. "Bangkok è da tempo una capitale dell'orologeria, ma nessuno le aveva mai puntato i riflettori addosso", afferma. "Ora li abbiamo accesi noi, portando un tocco di gusto e stile thailandese nel mondo dell'orologeria".

Con il progetto di sviluppare un calendario annuale di celebrazioni orologiere, la visione di Siam Piwat va ben oltre un'esposizione di sei giorni. "Nei prossimi due o tre anni diventeremo più grandi, migliori e avremo un impatto ancora più incisivo sul calendario globale", promette Murphy. "Vogliamo che Bangkok superi le aspettative sulla scena mondiale e diventi un appuntamento fisso".

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VERDY e il brand giapponese ER si uniscono per la loro prima collezione in collaborazione.La capsule collection di nove pezzi presenta grafiche a cuore, dettagli in rosso e nero ed elementi essenziali dello streetwear.Tra i pezzi forti spiccano una giacca varsity, abbigliamento con grafiche e accessori, al debutto il 24 ottobre in Giappone.

Il celebre graphic artist VERDY ha unito le forze con il marchio di moda giapponese ER per la loro prima collezione in collaborazione. Il brand ER, fondato dalla modella giapponese emma e dalla stylist Rino Nakamura, offre un'estetica moderna e femminile che funge da tela bianca per l'universo grafico audace e inconfondibile di VERDY. Amica di lunga data del designer, emma aveva immaginato questa partnership fin dagli esordi della sua etichetta; il risultato è una collezione declinata in una vibrante palette rossa e nera.

La capsule, composta da nove pezzi, fonde alla perfezione i codici stilistici di entrambe le realtà. Sui capi d'ispirazione streetwear e sugli accessori per la vita di tutti i giorni si mescolano loghi inediti in co-branding e gli iconici motivi a cuore. Al centro di tutto spiccano infatti un cuore originale e un logo nato per l'occasione, disegnati da VERDY, i cui lavori per Girls Don't Cry e Wasted Youth lo hanno reso una figura di spicco nello streetwear globale. Le grafiche impreziosiscono silhouette familiari, trovando il giusto equilibrio tra l'estetica giovanile di ER e l'approccio audace e distintivo di VERDY al design.

La collezione ER x VERDY uscirà il 24 ottobre 2026 presso il Women's Store di Shinjuku e il negozio di Osaka di BEAUTY&YOUTH UNITED ARROWS, oltre che sullo store online di United Arrows. I prezzi vanno da 2.530 JPY (circa 16 dollari) per i calzini a 41.800 JPY (circa 264 dollari) per la giacca stile stadium, mentre per lo store di Shinjuku è previsto un assortimento speciale più ampio, disponibile dal 24 ottobre al 3 novembre.

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Knoll si affida a Sam Chermayeff per reinterpretare le credenze del 1961 di Florence Knoll.La collezione di mobili contenitori introduce scaffalature alte, mobili bar e cassetti da tavolo.Tra i moderni aggiornamenti spiccano le spettacolari laccature Dark Python, Iris e Dark Red Ultra.

Knoll ha presentato la collezione Knoll Chermayeff Storage, una nuova linea di arredi progettata dall'architetto Sam Chermayeff che reinventa gli storici principi modernisti del brand per l'abitare contemporaneo. Diretta evoluzione delle iconiche credenze del 1961 di Florence Knoll, la collezione onora la rigorosa logica costruttiva in acciaio, impiallacciatura e marmo dei pezzi originali, introducendo al contempo forme e proporzioni del tutto inedite. La collezione rientra in una categoria descritta dal Direttore Creativo di Knoll, Jonathan Olivares, come "riuso adattivo", estendendo visioni architettoniche classiche per incoraggiare modi di vivere e lavorare più fluidi.

I pezzi che ne derivano trasformano il contenimento da una necessità puramente pratica in uno scenario architettonico per libri, oggetti e ricordi personali. Le alte scaffalature a giorno estendono il sistema in verticale, creando una maggiore presenza spaziale e offrendo al contempo la possibilità di dividere delicatamente un ambiente, mentre un mobile bar dedicato trasforma lo spazio contenitivo in un punto focale per l'intrattenimento.

Tavolini, consolle e tavolini di servizio ampliano ulteriormente la collezione, incorporando cassetti a scomparsa che portano l'organizzazione quotidiana in tipologie di arredo più basse e informali. Dal punto di vista visivo, i pezzi mantengono la geometria pulita e il rigore associati alle credenze originali di Florence Knoll, ma Chermayeff introduce un carattere più espressivo attraverso proporzioni alterate e una palette di colori rinnovata e vibrante, che include finiture laccate Dark Red Ultra, Dark Python e Iris.

Questo equilibrio tra continuità storica e flessibilità contemporanea distingue la Chermayeff Storage da una tradizionale riedizione Knoll. Se di solito i restauri preservano un oggetto esistente attraverso materiali, finiture o colori aggiornati, Chermayeff tratta il sistema originale di Florence Knoll più come un vocabolario architettonico che può essere ampliato e riorganizzato in base a come le persone oggi vivono, lavorano e si incontrano.

Questo approccio si allinea inoltre con il più ampio interesse di Chermayeff per il vivere in comune, permettendo al mobile contenitore di fungere da infrastruttura per gli spazi condivisi, pur mantenendo la raffinatezza dei design del 1961. La collezione Knoll Chermayeff Storage è disponibile per l'acquisto tramite Knoll, portando le fondamenta mid-century del brand in una famiglia di arredi più adattabile, perfetta per gli ambienti residenziali e lavorativi contemporanei.

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Marvel Television ha svelato il primo logo e i dettagli sull'uscita della sua imminente serie thriller di spionaggio live-action 'Zodiac'L'inizio della produzione della serie è previsto a Londra in primavera, mentre il casting prenderà il via nelle prossime settimaneIl debutto dello show è previsto a livello globale su Disney+ nel 2028, come parte del catalogo televisivo in continua espansione di Marvel

Marvel Television ha svelato ufficialmente Zodiac, una nuova serie thriller di spionaggio live-action che debutterà su Disney+ nel 2028. L'annuncio della serie e il logo iniziale sono stati presentati dal capo di Marvel Television Brad Winderbaum durante il panel dello studio al New York Comic-Con.

Le riprese principali dell'imminente serie inizieranno a Londra in primavera, e il casting partirà ufficialmente nelle prossime due settimane. Zodiac segna il primo nuovo show televisivo live-action annunciato dalla Marvel dopo Ironheart, introducendo una nuova direzione narrativa incentrata sullo spionaggio per il catalogo in streaming dello studio.

L'annuncio arriva insieme ad aggiornamenti più ampi su tutto il programma di Marvel Television, tra cui la conclusione di Daredevil: Born Again con la sua terza stagione e il debutto di VisionQuest il 14 ottobre.

Il debutto mondiale di Zodiac è previsto su Disney+ nel 2028.

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Alpha Industries applica la formula "triple black" della cultura sneaker a tre dei suoi flight jacket più celebriEsterno, fodera ed etichetta del brand si tingono di nero, eliminando le fodere a contrasto storicamente legate ai capispalla del marchioUna campagna ambientata all'interno di un laboratorio di design immaginario segue il viaggio delle giacche, dalla materia prima al capo finito, fino a chi le indossa

Alpha Industries ha svelato il Triple Black Pack per la stagione FW26, rivisitando il MA-1 Heritage, il B-15 Intermediate Flight Jacket e il CWU-45 Heritage in nero, dallo strato esterno fino alla fodera e all'etichetta. Il risultato è un trio delle principali giacche da volo del brand privato di ogni elemento a contrasto.

Il concetto deriva dalle calzature. Nel mondo delle sneaker, "triple black" descrive una scarpa in cui tomaia, intersuola e suola condividono la stessa finitura nera. Alpha Industries applica direttamente quella formula in tre parti alle sue giacche, dove lo strato esterno, la fodera e l'etichetta sostituiscono quelle tre zone.

Il cambiamento più drastico riguarda la fodera. Le fodere a contrasto sono state una caratteristica distintiva delle giacche da volo Alpha per decenni, e nessuna è più riconoscibile del vivace arancione all'interno del MA-1. Qui, quel tocco di colore scompare completamente. Con il nero che pervade ogni strato, le giacche ora presentano un unico tono ininterrotto, per cui il look rimane uniforme indipendentemente dal fatto che la zip sia chiusa o lasciata aperta.

Le silhouette rimangono familiari. Il MA-1 Heritage, il B-15 Intermediate Flight Jacket e il CWU-45 Heritage mantengono le forme che i fan di Alpha già conoscono, e il trattamento total black costituisce l'unica trasformazione. Questa sobrietà mantiene l'attenzione sul colore come elemento centrale del design, lasciando che la finitura completamente nera faccia il suo dovere.

Il Triple Black Pack di Alpha Industries è ora disponibile online, presso rivenditori selezionati e nell'Alpha Industries Store a Francoforte sul Meno.

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Il Director of Football di On, Thierry Henry, ha mostrato da vicino su Instagram il primo scarpino da calcio del brandIl prototipo presenta la tecnologia LightSpray di On per una tomaia traslucida e senza cucitureIl lancio sul mercato dello scarpino è previsto per l'inizio del 2027, con Kylian Mbappé alla guida del roster di atleti

On e il suo Direttore del settore Calcio Thierry Henry hanno svelato più da vicino la prima scarpa da calcio del brand svizzero. Condiviso su Instagram, il prototipo mette in luce le fondamenta tecniche e la visione estetica che guidano l'ingresso di On nell'universo delle calzature da calcio. Lo scarpino era stato originariamente indossato in anteprima da Kylian Mbappé.

Contrassegnato dal codice di sviluppo ON-DCPT-KM210, il prototipo introduce una tomaia sottile e traslucida, realizzata con l'esclusiva tecnologia LightSpray di On. Questo processo di applicazione robotizzata elimina le cuciture tradizionali e i classici rinforzi strutturali, regalando alla silhouette un'estetica pura ed essenziale, focalizzata sulle performance e sulla massima leggerezza.

Questa anticipazione fa seguito all'ingresso ufficiale di On nel mondo del calcio, accompagnato da un parterre di atleti d'eccezione capitanato dalla stella del Real Madrid Kylian Mbappé e dalla centrocampista del Barcellona Sydney Schertenleib. Sebbene il teaser di Henry mostri ancora un prototipo in fase di sviluppo, rende perfettamente l'idea di come il marchio svizzero di performance intenda portare la propria avanguardia calzaturiera direttamente sul rettangolo di gioco.

Il debutto sul mercato delle scarpe da calcio On è previsto per l'inizio del 2027.

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