「採訪可以推遲 30 分鐘開始嗎？」米蘭藝術雜誌《KALEIDOSCOPE》創始人 Alessio Ascari 在接受我們的採訪前夕，因為堵車延誤了行程，巴黎的交通在時裝週期間顯得更加擁擠。當時，他正忙於即將開幕的 Manifesto。這是由 KALEIDOSCOPE 和 GOAT 合作舉辦的年度藝術文化節，本屆依舊選址於法國共產黨總部大樓，這是一座由巴西傳奇建築師 Oscar Niemeyer 在 60 年代末設計的絕妙建築。為期三天的 Manifesto，包含論壇、藝術裝置、現場表演和時尚展會等多重內容形式，是雜誌理念的實體表達，也是每年六月巴黎時裝週期間最令人期待的活動之一。

就在來到巴黎前不久，Alessio 剛在米蘭時裝週期間忙完為 Gucci 策劃的「Gucci Horsebit Society」展覽，以展代秀，紀念品牌最具代表性的 Horsebit Loafer 馬銜扣樂福鞋問世 70 週年。舉辦地則是其於米蘭運營的創意空間 Spazio Maiocchi——由 Slam Jam 和 Carhartt WIP 共同創立，他擔任策展人。如今，建立於 2017 年的 Spazio Maiocchi 已成為米蘭各界創意人士的聚集地，這要歸功於 Alessio 負責策劃的一系列文化活動，其中就包括今年 4 月米蘭設計週期間舉辦的 Capsule Plaza——由去年推出的姊妹刊物《Capsule》所衍生出的設計陳列。

出版人、策展人、創意顧問⋯⋯游走於多重身份的 Alessio Ascari，正如雜誌名「Kaleidoscope」，過著如萬花筒般的創意人生。與各界藝術家的合作，是他身上最顯著的標籤，也是他從事這項事業的驅動力。Alessio 通過編織出的蛛網，將全球創意人才串聯在一起。此番，Hypebeast 邀請到這位創意多面手，為我們分享他所指導下的雜誌、空間、展覽、藝術節等一系列創意項目的合作幕後。

HB：最新一期《KALEIDOSCOPE》邀請了三池崇史（Takashi Miike）、King Krule、Popcaan、Jim Shaw 等藝術家創作封面故事，正如以往一樣，你們每期都會將如此多的藝術家、創意單位串聯起來，產生奇妙的化學反應，所以你們通常會基於什麼來挑選客座藝術家？

AA：我們以非常橫向的方式探討視覺文化——正如我們雜誌的座右銘，《KALEIDOSCOPE》是一本當代美學年鑑。我們從不區分文化領域，我認為新一期的六套封面正是這一理念的體現。這次有像 King Krule 或 Popcaan 這樣的新一代音樂人，分別穿著 Martine Rose 和 Bottega Veneta 的整套造型；也有像三池崇史這樣的地下電影圈傳奇人物——穿著 Supreme 的整套造型；還有富有遠見的洛杉磯藝術家 Jim Shaw——穿著 Brain Dead 的造型。我們還有一個封面故事，深入挖掘了紐約人氣古著店 Procell 的檔案，展示了由藝廊與博物館製作的可追溯至 70 年代末的代表性藝術商品，以及與情色攝影師 Richard Kern 的特別合作。所以它是非常橫向、混合、多學科的。

HB：最初為什麼會選用「KALEIDOSCOPE」這個名字？

AA：我們很喜歡萬花筒（Kaleidoscope）這種魔術裝置，當你看向裡面時，它會帶你進入一個不同的維度——在某種程度上有點迷幻。另外，我年少時也非常喜歡 Kelis 的同名專輯《Kaleidoscope》。所以這個故事有很多不同的版本。在出版近 15 年後，現在我們只留一個「K」字母大號 Monogram 在封面上。我認為這是一個很酷的轉變，因為平時我們雜誌圈裡的朋友就一直稱其為《K》。

我們的視覺是對極簡主義的當代、實驗性詮釋。

HB：毫無疑問，平面設計是「KALEIDOSCOPE 式美學」最重要也是最標誌性的部分，可以分享一下你們的視覺語言是如何形成的嗎？

AA：設計確實與編輯、策展工作交織在一起。我們所做的一切都是形式和內容的結合，所以藝術指導就像是層為我們內容量身定制的外衣。我們基本上都是和一家瑞士設計工作室 Kasper-Florio 合作的——他們為雜誌《KALEIDOSCOPE》和《Capsule》、我們所有的書籍、米蘭的創意空間、巴黎的藝術節進行藝術指導⋯⋯我們與 Larissa 和 Rosario（Kasper-Florio 創始人）進行全方面的合作，所以這是一個非常適恰的協同作用。我會說，我們的視覺是對極簡主義的當代、實驗性詮釋。整體的基礎是非常瑞士、理性的，但中間夾雜著破壞性的因素。

HB：你們在去年推出的新刊《Capsule》為何會採用螺旋裝訂？

AA：《Capsule》是我們致力於設計圈的姊妹刊物，其背後的理念是採樣並轉化當下激進設計（Radical Design）的美學。具體來說，我們的主要靈感來自於 70 年代在義大利興起的設計運動——所有這些傳奇人物，如 Ettore Sottsass、Mario Bellini、Superstudio、Archizoom⋯⋯他們對形狀和材料的處理非常有趣，而我們採用不同顏色的塑料螺旋裝訂，是與雜誌作為設計對象的概念緊密相連。

HB：你們舉辦的 Manifesto 絕對是六月巴黎時裝週期間最令人期待的活動之一，本屆與以往有何不同？

AA：Manifesto 是我們連續第二年與 GOAT 合作舉辦的年度藝術文化節。我們再次接管了這座令人難以置信的建築，這是由巴西傳奇建築師 Oscar Niemeyer 在 60 年代末設計的法國共產黨總部。藝術節為期三天，內容包括論壇、藝術裝置、現場表演和時尚展會。我們將其視為雜誌理念的另一種表達方式，並將其轉化為物理空間。今年，我們展出了 Jon Rafman、Anne De Vries 和 Crystallmess 等人的藝術裝置。晚上，Kamaal Williams、Hi Tech、Pink Siifu、Poison Anna 等人帶來了精彩的音樂表演。在時尚方面，我們與 ERL、Wales Bonner、Ottolinger 和 Sky High Farm Workwear 等令人興奮的創作者一起合作了特別項目，還在禮品店和 GOAT 官網推出了獨家零售商品。所以對我來說，這確實是印刷、線上和現實之間的一個完整的循環時刻。

HB：如今 Manifesto 已走過四個年頭，記得你之前提過想要把它帶至其他地區，甚至可能是上海，目前仍在推進這個計劃嗎？

AA：這當然會很有趣，但目前我們最希望在亞洲舞台上展示的項目其實是 Capsule Plaza，這是我們今年在米蘭設計週期間推出的設計陳列——集博覽會和集體展覽於一體，其中包括諸如 Willo Perron、Devon Turnbull、Sabine Marcelis、Daniel Arsham 和 Dozie Kanu 等藝術家。我們還沒有一個確切的計劃，但已經在行動了。

HB：期待！來聊聊你們最近為 Gucci 策劃的秀吧，有什麼亮點可以分享一下？

AA：這是一次非常特別的展覽，旨在慶祝 Gucci Horsebit Loafer 問世 70 週年，它是品牌最具標誌性的單品之一，也可能是有史以來最具標誌性的男鞋之一。Gucci 邀請我在 Spazio Maiocchi，也就是我們在米蘭運營的空間，策劃一場展覽，藝術家、設計師和創意人員將受邀通過當代鏡頭對馬銜扣重新詮釋和混搭。我們將這個空間改造成一個超現實、身臨其境的環境——介於鄉村俱樂部、收藏家豪宅和復古未來風迪斯科舞廳之間。每位藝術家都設計了一個獨特的房間，我們有瑞士傳奇藝術家 Sylvie Fleury 設計的臥室裝置，紐約雕塑家 Levi Pitters 設計的用餐空間，以及建築師 Harry Nuriev 設計的庭院空間等。就像剛剛說的，我們採用了非常廣泛的創意手法，其結果自然也是獨一無二的。對我個人而言，這是策展人生涯的一座里程碑。

HB：展覽期間有何趣事？

AA：它不像傳統的展覽，而是一種讓參觀者沈浸其中的體驗。因此，在白天，空間被一系列表演所激活，包括卓越的西班牙表演藝術家、編舞家 Candela Capitán 帶來的演出，以及由巴黎傳奇唱片廠牌 Ed Banger 策劃的一系列 DJ 演出。有趣的是，我們正在慶祝馬銜扣 70 週年，而 Ed Banger 也在慶祝廠牌成立 20 週年。所以開幕之夜真的很有趣，幾乎就像一場聯合生日慶祝會。

HB：除了雜誌、活動，你們還出版書籍。兩年前出版的《Giger Sorayama》令人印象深刻，匯集了兩位特立獨行的藝術家——締造「Alien 異形」的瑞士藝術家 H.R. Giger 以及日本插畫家、雕塑家空山基（Hajime Sorayama）。在之前我們的交談中，你提過最近正分別在為這兩位藝術家製作新項目，可以分享更多訊息嗎？

AA：我擔任 H.R. Giger 遺產的特別企劃的策展人。幾年前，我們開始合作，當時舉辦了一場展覽，將他的作品與洛杉磯藝術家 Sterling Ruby 的作品並置，我知道他是 Giger 的超級粉絲。之後，我們開展了幾項活動，你提到的「Giger Sorayama」是一對真正的代表性組合——兩位藝術家都以推進未來科幻願景聞名，但基調截然不同，Giger 更黑暗、狂野 ，而空山基則更加閃亮、性感。這本書是隨曾在東京和大阪的 Parco 博物館以及北京的 UCCA 尤倫斯當代藝術中心舉辦的展覽而生的。我們與東京 Nanzuka 畫廊合作開發了這個項目，我現在也正與他們合作編寫一本關於空山基的參考專著，這本書將由 Rizzoli New York 出版，並於 2024 年在米蘭 Spazio Maiocchi 舉辦展覽。

對我而言，出版是職業生涯的根源。

HB：所以對你本人影響最大的藝術家或文化名人是？

AA：對我而言，出版是職業生涯的根源。所以在成為策展人或創意顧問之前，我一直受到書籍和雜誌的啓發。我最喜歡的是 70 年代一本名為《Avalanche》的藝術雜誌，它報導了當時最具實驗性的藝術家，你會在封面上看到 Bruce Nauman 或 Joseph Beuys。當然，我會提到 Andy Warhol 創辦的《Interview》雜誌——看到一位藝術家以一種近乎藝術的形式創辦一本雜誌，對我來說非常有趣。我應該還得提到《Playboy 花花公子》，不過我只是「為了閱讀文章」才看它（笑）。

HB：Spazio Maiocchi 如今已然成為米蘭文化創意界的一大地標，當初是什麼契機會與 Slam Jam 和 Carhartt WIP 合作打造這個空間？

AA：對，這兩家了不起的公司在五年多前共同創立了 Spazio Maiocchi，翻新了米蘭市中心的一座舊工業建築群，他們從第一天起就讓我參與其中，共同策劃文化活動，打造空間的視覺形象。這是一次很棒的旅程，現在依舊如此。這個空間的獨特之處在於，我們能夠將不同創意社區之間聯接起來。米蘭雖然不是一座大城市，但卻是時尚和設計之都，自然也會有不同的群體和創意場景，它們都非常活躍，但不一定有太多交集。我們通過 Spazio 的活動，成功地將藝術界、街頭潮人、建築師和時尚人士聚集在同一屋檐下。因此，Spazio Maiocchi 其實是在打造社區，將這些創意社群聚集在一起。

我們的每個平台都是一個網路，可以與不同的創意人員展開合作。

HB：此前接受我們採訪時，你曾提過「Collaboration 合作」是 KALEIDOSCOPE 的核心，那麼至今讓你最印象深刻的一次合作是？

AA：事實上，我們的每個平台都是一個網路，可以與不同的創意人員展開合作。對我來言，最鼓舞人心的事情就是與藝術家合作——與他們交談並受其啓發。我打心底認為，真正的藝術家都是傳遞真相的人，他們能夠預見未來。通常情況下，如果你觀察當代藝術家的作品，你會看到時尚趨勢，乃至整個社會的未來。

HB：經常可以看到你與世界各地的創意人士一起工作，目前你們核心團隊的構成是？

AA：核心團隊位於米蘭，但也有來自不同城市的關鍵人員與我們一起工作——目前仍然是一個 20 人左右的小團隊。話雖如此，我認為 KALEIDOSCOPE 和 Capsule 社群不僅僅是指核心團隊，還包括了全球各地所有的親友、貢獻者和代理機構，他們以不同的方式支持著我們的工作。可以說，最初走上這條道路正是因為我非常渴望與富有創造力的同行合作，並從他們那裡獲得靈感。

HB：如今你們已經打造出雜誌、空間、藝術節，所以你們的下一步是什麼？方便透露你們未來還打算建立什麼類型的新平台？

AA：哈哈，你知道我是一個非常喜歡創造的人，總是在尋找下一件事情，但我認為我們會暫時穩定運作一段時間。在接下來的幾年里，希望能專注於我們現在所擁有的。因此，我們將回歸本源，鞏固基礎，也許會擴展現有項目的範疇——例如，將 Manifesto 和 Plaza 帶至不同城市，開發 Capsule 的服裝和家居線。我們希望確保在有機成長，做對自己和我們的社區有意義的事情。