Studio Visits: Michael Lau 與「MAXX HEADROOM」工作空間
「設計師玩具教父」的藝術之旅。
如果要向打開設計師玩具與收藏品世界的人致謝，那就是 Michael Lau。被稱為「設計師玩具教父」的他是搪膠公仔的先驅，Michael Lau 於 1999 年首次亮相並推出了廣為人知的「Gardener」系列，系列由 99 個可動玩具組成，其靈感來自周圍的街頭文化，尤其是當時滑板塗鴉與嘻哈音樂。從那時起，這位香港藝術家便開創了一種全球趨勢，隨後延伸到東京、巴黎與紐約等城市，這些城市作為大型玩具公司與獨立藝術家需要注意的藍圖。
「藝術家」這詞讓人立即聯想到繪畫或是雕塑，他開始時就認為玩具的價值被低估了，因此他相信「所有玩具都是藝術品，所有藝術品都是玩具。」多年來除了打造個人作品，Michael Lau 還與各種知名品牌進行合作，例如 PUMA Suede VTG、Nike SB Blazer Low「Salvator Michael」、Carhartt WIP「Gardener」公仔系列、PORTER 80th Anniversary「P8orter Boy」公仔以及 Nike「JUST DONE IT」展覽等等。
近年來，Michael Lau 回到了繪畫上，將他的 3D 搪膠公仔注入到繪畫並伴隨著雕塑作品。除了「Gardener」公仔之外，Carhartt WIP 還舉辦了一場名為「PLAYWORK」的展覽，該展覽以 33 件作品組成，包含繪畫、滑板板身、公仔與 T-Shirt。接著 2018 年，他與 Christie’s 合作打造一場名為「COLLECT THEM ALL！」的展覽，其中以 5 個主題展示 50 幅繪畫與雕塑，當中涵蓋了他所有創意追求並以 Salvator Michael 為亮點。
在通過他 crazymiles 網站發佈了與 Stock X 合作打造的獨家 Salvator Michael 之後，Michael Lau 在深圳 Artoy Basel Exhibition 與香港 Art Basel 期間推出了一些新作品。現在，這位「設計師玩具教父」攜手 Woaw Gallery 呈現他的最新個展「MAXX HEADROOM」回歸。
在最新一期 Studio Visits，HYPEBEAST 將與 Michael Lau 進行獨家訪談，深入了解設計師玩具的思考基礎以及最新個展的進一步探索。
你最近在忙些什麼以及是什麼讓你堅持下去？
我正在 Woaw Gallery 舉辦名為「MAXX HEADROOM」的展覽，已在 9 月 29 日正式展開。除此之外，自從加入 Art Basel 後我畫了很多東西，打算採用一些較小的作品為未來的展覽準備更大的作品。
你畫一幅畫通常需要多久時間？
這變化很大因為一切取決於主題，對我來說所有創作都是從一個想法開始，我大部分時間都花在想法上，以清晰的佈局進行建構時，繪畫的系統流程並沒那麼複雜。
在成長過程中，最初是什麼激發了您對藝術的興趣？
我會說玩具是我小時候的靈感來源，當對某事物感興趣時，你很容易受到它的啟發。繪畫感覺就像我與生俱來那樣自然地出現，我沒有受到我家人的鼓舞，但他們給予了我很大的成長自由以釋放我的潛力。
是什麼激發了你開始製作搪膠玩具？
可能因為這就是「男孩事」，我從 Gundam 開始玩模型並在藝術課上進行進一步探索，手工藝品、黏土、肥皂雕塑與剪紙。那時我家人買不起玩具，所有我長大後購買和收集了很多，接著我通過破壞與重組那些收藏來製作小塑像。
誰或什麼是你的主要影響？
我想我天生就與藝術無法分離，作為香港在地人，我沒到海外學習也沒有真正影響我的導師。我們這裡也沒太多的支持與支援，所以我不得不自己學習和探索。
所以你不從其他藝術家的作品中獲得靈感？
我確實會看其他人的作品但我不會把他們作為我的目標，我更喜歡從不同藝術家身上提取不同元素，這與香港很相似，我們「竊取」東西方的文化並將其轉換內化成我們自己的。通過「竊取」，我會將不同元素混合再組合到我的作品中。創作總是從汲取其他作品的碎片開始，因為嚴格來說根本沒有原創，我們必須吸收那些部分並將其發展成屬於我們自己的東西。
你能帶我們了解你的藝術創作過程嗎？你是如何開始以及從何開始？
我從主題以及要傳達的故事與信息開始，之後我開始發展佈局與製作草圖同時對它們進行調整。我的工作流程如下：思考、繪畫、研究、組織與展示。
你對色彩學和色彩選擇有一定方法嗎
一切都行，在過去幾年裡我不斷在重建自己，做一些我不喜歡的事情。通過使用新的顏色和繪畫方法，我希望創造一些新東西。
在你之前的 HYPEBEAST 短篇紀錄片中，你提到 Gardener 公仔是 Barbie Ken 與 G.I. Joe 的結合，你選這些角色作為基礎的原因是什麼？
早在 1990 與 2000 年代，市場上的 12 英吋公仔並不多，只有 Barbie Ken 與 G.I. Joe。當時我們在沒有 3D 列印與鐳射切割技術的情況下，利用玩具店中的有限資源創造一些東西，一切都是按照流程所打造。
你的公仔會表現出平靜、懷疑或猙獰的神情，背後有什麼特殊的原因或意義嗎？
只是覺得沒有多餘的面部表情很酷，酷炫氛圍源自街頭文化，同時展現年輕一代的性格。那些公仔看起來很兇但內心善良，我覺得鮮明的反差很迷人。在香港，很多人都有了街頭文化的品牌，但只是音樂、運動與塗鴉。
為什麼你大部分作品都採用木材製作？
木材有種獨特溫暖，我喜歡獨自創作藝術品因此我無法接受太多冷色調，而且它不輕易被弄髒。
至今為此你最喜歡的合作項目是哪個？在這次展覽之後，之後還有什麼值得我們期待的嗎？
我沒有最喜歡的合作項目，由於我現在更專注於我作品的傳統藝術方面，我做的產品發佈相關越來越少。隨著我個人的發佈越來越少，這就是為什麼我最近似乎只是在進行合作項目，但發佈的總數與 10 年前相比下降了很多。對於未來的合作計劃，我只能透露將有很多項目接踵而來。
我們注意到復古的流行最近又回來了，OG 街頭藝術家在流行之下獲得了更多矚目，同為那時代的你，你怎麼看？
隨著時間流逝，曾經的年輕一代現在有了更多控制權，在那時代長大的人現在已經升到公司的管理職位，然而他們想帶回年輕時喜愛的事物，這都是懷舊。
你已經擁有這工作室一段時間了，除了來來去去的作品與工作材料，你是否有想過搬遷？還是這空間就是你所需要的？
帶著所有東西搬離太費力了，當然，我想搬到一個天花板更高空間更大的工作室，但在沒有緊急需求與額外費用的情況下花費那麼多錢並不值得。
在工作室中你是否遵循特定的工作流程順序？假設你從一個區域移動到另一個區域以進行特定工作，或是都自由不限制？
有個佈局區域是這張中心桌子，可以吸收大部分創作能量，接著我走進辦公室用電腦做設計，外面是畫畫的地方，洗手間是另一個思考的好地方。
你是否在大型藝術品或較小型藝術品中尋獲更多樂趣？底座的大小是否影響您展示作品的方式？
做了大型藝術品後無法倒退，它們很難製作但確實帶來了更大的衝擊力。一旦適應了較大的畫作，它們就會帶來樂趣、自由和一種無法與小畫作相比的成就感，感覺自己就像 Picasso 那樣完成巨額委託的偉人之一。話雖如此，我也畫了一些小幅作品，由於空間可能是個問題因此家中很難展示大型藝術品，因此我希望一些年輕收藏家可以輕鬆地從我這購買小型藝術品，因為先前的作品都相當昂貴。
為什麼 Salvator Michael 總是拿著一顆球？這有什麼象徵意義嗎？
Salvator Michael 是模仿 Da Vinci《Salvator Mundi》的姿勢，當我與 Christie’s 合作時，我將自己重新想像成《Salvator Mundi》但手拿的是膠囊玩具而不是水晶球來象徵幸運，而手指交叉則為收藏者帶來幸運與機遇。此外，我是玩具界的 Salvator（救世主）。
在早期的「Gardener」系列中，你以你的朋友作為基礎，你是否仍然從你周遭的人汲取靈感？
我有少許的藝術作品是根據我朋友所創作，那時很方便因為我每天就像家人一樣和我朋友相處，我會從他們那獲得靈感。我想這就是創作的開始，你根據你所處的社群創造一些像哆啦A夢那樣不同臉孔的東西，隨著年齡增長朋友也越來越少，因為他們有了自己的家庭與不同的觀點。我已經開始創作受有影響力的人和其他藝術家啟發的玩具，在洛杉磯的展覽中我就根據了 Obama 創作了一個玩具，對於不同的展覽，我會根據地點創作不同的角色。
你有沒有經歷過創意靈感障礙？如果有的話，你如何突破？
我不認為那算是個障礙，只有因為還沒找到出路。邊進行邊思考，想法總是會在截止日前出現，不要感到無意義的擔憂，保持積極的態度想法就會出現。
是否能詳細介紹你最新的展覽「MAXX HEADROOM」？
「MAXX HEADROOM」圍繞著 Maxx 的旅途展開，Maxx 是原始「Gardener」系列中的一個角色。在本次展覽中，你可以看見根據 Maxx 不同時期所拍攝的照片、素描、漫畫系列、與 LMF 的合作專輯封面、在地嘻哈樂隊、首個「Gardener」標誌以及展覽的草圖，這些元素在街頭文化中非常重要，你還可以看見 1999 年的「爆頭」小塑像，是與 Terry Richardson 從 2010 的的合作以及在 Time Square 展覽曾經出現，該角色為大眾改造成幼兒形象，最新的展覽將專注展示原始「Gardener」系列前 10 年的藝術品。
展出的畫作與你之前的展品相比似乎有所不同，這是否有什麼原因？
隨著我的成長，我想用新的想法來改變它，因為我不習慣一遍一遍地重複一樣的事情。這就是為什麼我創作了「Crazychildren」與「Mr. Shoe」，儘管「Gardener」是個多麼巨大的成功。嘗試新事物有好也有壞，因為在那麼多角色之下人們將會不知道你最具標誌性的系列是什麼，但這就是我所享受的。我一直在縮小系列的範圍，以便給觀者留下更深刻的印象。
是什麼契機讓你只想繪畫？
我仍然有為這展覽創作雕塑，「MAXX HEADROOM」這名字來自 Maxx 的頭部，因此展中只出現頭部作品，其中有著不同大小尺寸以適應畫廊的限制，當中也會展出 1999 年的原始 12 英吋公仔。
在過去幾年裡，你主要發佈了許多合作與商業作品，本次展覽安排在這時間點有什麼特別原因嗎？
我們已經推遲了很多展覽，因為我需要更多時間準備 Art Basel。首次參與 Art Basel 之後，我對這展覽頗有感觸因為我感覺我被藝術市場接受了。9 月 29 日是本次展覽展開的最佳時機，因為它標示著 1999 年 9 月 29 日在 Art Centre 舉辦的原始「Gardener」展覽的第 22 週年。此外，滑板運動在 2020 東京奧運成功登場，因此現在是推廣街頭文化的絕好時機。
由於玩具媒介是許多人認識你的主要原因，你如何決定繪畫與雕塑作品的組合？
我只是隨波逐流，由於這次展覽都是關於 Maxx，所以有更多關於他的小塑像。頭部是識別人物最重要的部分，所以大部分雕塑都是專注在頭部。
這時候香港已有許多藝廊都非常熟悉你的作品，這次為什麼選擇與 Woaw 合作？以及合作的契機是如何產生？
我認識 Kevin Poon 已有 20 多年加上我非常注重人際關係，他與他的團隊共同經營 CLOT 和 JUICE 已有一段時間。在香港並沒有太多很棒的藝廊，他們要嘛太國際化不邀請本地藝術家，要嘛就是太傳統。Woaw 是一家以現代方式展示藝術品的專業藝廊，同時還進行國際運營。
隨著年齡增長，像 Maxx 這樣的角色是否會產生變化？或者他們對你來說有點像時間膠囊？
Maxx 確實從一個看起來兇猛的年輕人轉變成一個有態度的沉穩成年人，當我在「MAXX HEADROOM」重新創造原始 Maxx 時，這展覽可視為角色的 Archive。在與 Carhartt WIP 的展覽中，我還將 Maxx 塑造成一個 33 歲留著小鬍子的畫家，而同時另一個 Maxx 則以老人繪畫的形式展示。
WOAW Gallery “MAXX HEADROOM”
9 Queen’s Road, Central
Hong Kong
9 月 29 日 – 10 月 23 日
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