「今天，我們只談音樂好嗎？」HYPEBEAST 專訪林俊傑 JJ Lin

上月，HYPEBEAST 潛入林俊傑秘密 Studio。由於機會難得，採訪前，我們與林俊傑達成共識：

只談音樂。是我們的默契。

好吧，先來聊聊流行音樂（Popular Music）。

15 年前，林俊傑於台灣發行個人首張專輯《樂行者》，從那刻起，他便與流行音樂結下不解之緣。截至目前為止，他總計發行 13 張專輯，也拍電影，為電影配樂；陳奕迅的《放棄治療》、蔡依林的《第三人稱》都是出自他手；還有，最重要的事 ──  2014 年，獲頒台灣金曲獎「最佳男歌手」，成為華語流行音樂第一把交椅。所以，和林俊傑談流行音樂？堪比呼吸，輕輕鬆鬆。

然而，令我好奇的並非個人豐功偉業。而是始終活在 Popular 世界中的他，究竟如何看待「流行」？

甚麼叫流行？流行是當一個東西被很多人肯定的時候，它就變成流行。而不是繼續做已經流行的東西，那不是流行。

不能否認，流行關乎群眾，也與趨勢息息相關。但相對趨勢，林俊傑認為「真正重要的是創作者對自身本質的認識。」他說，「人的品味會變，但有些本質是無法更動的。我們的童年影響我們的現在，其成長過程則成就現在的自己。當一個創作者學會和自己相處時，他的音樂就會變得很誠實。」而這誠實，即是打動聽眾的關鍵。唯有誠實，才能保有初心；也唯有誠實，才能創造，亦才會有《江南》的痛、《黑暗騎士》的燥，以及《偉大的渺小》的淬鍊。

反過來說，若僅是看到流行元素而照本宣科，依林俊傑立場，「那就不是流行」。「這比較像跟風。說難聽點就是抄襲。差異在於如何吸收，將自己與趨勢磨合，而不僅是複製那麼簡單。」

「我個人認為創作過程一定要很平靜去思考，設想聲音或故事是否真是自己想傳達的？然後再選擇一個最適合的風格去代表自己。至於風格或作品不一定是要最流行的。你懂我意思嗎？甚麼叫流行？流行是當一個東西被很多人肯定的時候，它就變成流行。而不是繼續做已經流行的東西，那不是流行。我個人給自己的挑戰就是去創造新的趨勢。用自己的方式讓更多人聽到原來林俊傑可以這樣子。」

不過，這並不代表林俊傑不聽他人的音樂，相反的，他鼓勵所有創作者多聽各種類型的音樂。「人需要從經歷學習變得更好。音樂也是一樣，一定會從聽到的東西去更了解自己。多聽，不限制的聽。不要以為自己做 Hip hop 就只聽 Hip hop。你可以只做 Hip hop 沒關係，但你要聽爵士，也要聽搖滾，就連 EDM 也要聽才對。」他進一步解釋道：「當你可以欣賞每一種音樂的時候，那就代表你能夠跟這群聽眾共存在一起，有共鳴和認同。而之後，潛意識自然而然會有一種 Influence，往後的創作就會有 dress code。」

他稱此為「一種吸收和改變的過程」。

「你看 Jay-z 就是一個非常 Jazz-Based 的說唱歌手。為何我非常喜歡他？因為他不會只停留在說唱而已，他的音樂裡面有深沉的知識跟 know how。光從他的音樂裡面就聽得出來 1930 年代的音樂對他影響是很深的。」

既然談到 Jay-z，那不得不提起近年翻紅的 Hip hop 音樂。要知道，自 Nas 喊出「Hip hop Is Dead」後也過了 12 年，如今，Hip hop 非但沒死，反而更加火燙。對此，聽 Hip hop 多年的 JJ 分享：「關鍵在於 Hip hop 很真，且不受任何框架或模式限制。我們都是說話的人，正如 Rap 節奏加上 Flow 的轉換，當你說唱的時候就是內心往外的宣洩。」他認為，真實有內容的說唱 / Hip hop 是最直接的唱歌方式。無論辛酸、憤怒，委屈、浪漫，只要能填補現代社會缺乏的真實，那就足以受到關注。

「大家都渴望一種真。這也是為何真人秀或直播開始豐盛，因為它被認為這是最接近真實的娛樂方式，是裝不了演不了的。而 Hip hop 也是這樣再次受到大家肯定，還是有一群人堅持做自己，願意把真實的狀態無包袱的拋到音樂裡面。」

真實很重要。但，怎樣才能創作出好的音樂？

這是所有創作者的疑問，早年的林俊傑也曾如此困惑。有別於前段感性面的「真實」，他亦從技術角度表示，「從古典到現代流行音樂，有件事情是貫穿不變的：Everyone appreciates simplicity。」簡單俐落的和弦、旋律和節奏，是所有人都可以接受的。「這概念是貫穿所有音樂的。如果你可以在最短的時間寫出最優美的旋律，編出簡化但又是有效的節奏，那你的作品無論在任何時代、地域、文化都能受到極大的肯定。這是我從小到大聽音樂發現的一個現象。」

由於討論太過有趣，緊接著，很好奇詢問有無實際案例？他坦言，「創作初期，我會把心思放在 RIFF / HOOK 上。」

何謂 RIFF / HOOK？即帶有重複性、被視為音樂中最主要的段落。通常是副歌，而以林俊傑的創作為例，有時也會出現在主歌 Verse 中。「當然 HOOK 最重要的功能，就是在這 HOOK 裡面傳達出內心最想說的。不論是用編曲堆疊，或用 Minimisation（刪減）的方式來凸顯，最重要的東西一定要放在 HOOK 去唱。至於我？我認為最好的 HOOK 就是最簡單，最短的。」於此同時，林俊傑也偷偷透露近年最令他滿意的 HOOK 是《不為誰而做的歌》的副歌「夢為努力澆了水」這段，他笑說，「在我寫出來的時候我很得意，因為好像沒有寫過這樣的旋律，很不流行的寫法，但好像又可以很流行。」果不其然，隔年，他便以《不為誰而做的歌》獲得台灣金曲獎最佳作曲人獎，流行敏銳度，無庸置疑。

經過 2018 前半年巡迴，大概所有人都知道林俊傑和 David Foster 關係密切。這位「西洋流行音樂大物」屢獲 Grammy Awards，閱人無數，曾與 Michael Jackson、Whitney Houston、Madonna 等一流巨星合作。而為尋求突破，林俊傑今年特別邀請他擔任演唱會聯合總監。談到這段淵源，林俊傑耐不住興奮地說：

若你沒有膽量去想，就不可能會有機會得到。

「能有機會和 David Foster 合作真的是恩典。」回憶起合作，林俊傑滿是感激。兩人先是於 Los Angeles 共同挑選樂手，並在某次天馬行空的討論中，奇蹟似地將 Hollywood 配樂大師 Hans Zimmer 列為合作對象。「原先以為只是隨口聊聊，沒想到還真的辦到了。我經常提醒自己別忘了 Hans Zimmer 每天都因為太忙而拒絕各大電影邀約，但他居然答應和林俊傑合作？！」

至於與國外音樂人合作，會不會有隔閡？林俊傑認為彼此的認同感很重要。尤其默契，必須是「音樂上的同類」。「我常講，當音樂開始思考的時候，那種 Difference 或刻意就出來了；反之，當音樂是順暢，是認同彼此的時候，那就可以拋開彼此包袱，合作也跟著愉快。」言下之意，不用想太多。頻率合、默契出來，一切都很自然。

話鋒一轉，我們又談到「華語」流行音樂。

不難發現，華語流行音樂很不一樣。無論音樂本身或市場操作，都有著它獨特的脈絡。好比近年許多韓國團體唱起中文，又或者幾年前很流行的「翻唱」漸漸消失，都說明華人文化對語言和音樂間有著特殊的情懷，外來的東西較為難以融入。自小於新加坡長大的林俊傑尤其明白，「華人很喜歡懷舊，也喜歡把很多情意的東西放進音樂中。」他認為，這是現有流行音樂中比較少見的，這也是為何大家都在做 EDM 的時候，很多華人還是欣賞旋律優美的音樂。「同時也是抒情歌為甚麼可以做那麼久的原因。」他補充道。

不過，這既是優勢，也是隱憂。「尤其當商業模式進來，現實面也跟著出現。」

所謂現實面即改變所帶來的風險，很可能阻止音樂人或經營者嘗試改變。可想而知，林俊傑也曾經歷過相似情況。「剛出道的我可能還在摸索，有時候會受外在壓力，必須要寫出某些東西，只因為它紅。」然而，儘管內心不願妥協，但智慧和天賦告訴他：「侷限一時難以打破，可在一定範圍裏，肯定還有很多創新機會。」時至今日，林俊傑儼然獨當一面。甚至在全球流行音樂陷入變革的同時，做出令人訝異的決定：建造一間堡壘；嶄新的音樂 Studio。

我們隨著林俊傑的腳步逛了一圈。從他的講解中，看得出他對這個音樂堡壘的關愛與自信。他說，「很多人問我為何選在台北，原因很簡單。我從 20 歲退伍，離開新加坡到現在住台北 15 年了，也在台北培養這樣一個團隊，人在這，團隊在這。即便我們在世界各地工作，每個地方都有合作對象，但對我而言，這裡是一個家人的地方。」

「儘管在哪做音樂都一樣，但在台北格外不同。」

採訪當天，適逢林俊傑為台灣金曲獎演出排練。這是繼金馬獎演出後，他再次受邀登上金獎盛會。而雖是排練，卻絲毫不馬虎。數一數，Studio 聚集三十餘位工作人員，從音控、合聲乃至於樂隊 Pitch 調整，他幾乎每一環節都親自指導。問到為何要如此嚴苛？他說，「這是身為音樂人的原則。既然已經成為音樂人，就要為自己的職業負責。你不能僅僅主攻唱歌、創作或表演，你每個都要做到好。」

熱愛音樂，是他的本能；向他人學習，是成長的訣竅；但最重要的是使命感，以及對自身的要求。最後，我問林俊傑，「你覺得自己幸運嗎？」他回答：

我覺得我很幸運。但不可否認我的努力。若我想要舒服一點過日子，太容易了。但我很清楚自己要的是什麼。我寧願多些犧牲付出，也要做出我所認為最好的音樂。

這，就是林俊傑的音樂。

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