En résumé

• La collection printemps-été 2027 de J. Press célèbre le 125e anniversaire imminent de la marque en mêlant tissus britanniques hérités et collaborations contemporaines.

• La marque a présenté sa première collection femme depuis 50 ans, réinterprétant les essentiels classiques du vestiaire masculin Ivy dans de nouvelles silhouettes.

Le 9 septembre, J. Press a présenté sa collection printemps-été 2027 sur le podium de Capitale, sur Bowery : une ancienne banque construite en 1891, dont l’imposante façade de pierre donne sur l’angle de Bowery et de Broome St. Avec ses intérieurs somptueux, ce lieu historique produisait un effet plus grandiose encore que celui choisi pour la deuxième collection de Jack Carlson, à la New-York Historical Society en février dernier. Alors que la saison passée était consacrée à la réédition par J. Press de Take Ivy, celle-ci se tourne vers le 125e anniversaire prochain de J. Press, fondée par Jacobi Press à Yale en 1902. À l’occasion de ce jalon, ce pionnier historique du prêt-à-porter preppy puise profondément dans ses racines : il met en lumière l’origine britannique des premiers modèles de Jacobi Press tout en se projetant vers l’évolution du style Ivy.

Pour la première fois depuis 50 ans, la marque a conçu une collection exclusivement féminine, introduisant de nouvelles silhouettes tout en soulignant l’adoption déjà ancienne de J. Press par les femmes. Parmi les looks féminins, une robe midi se distinguait par ses rayures bleu et or, horizontales sur le corsage et verticales sur la jupe. Touche Ivy League par excellence, un blazer croisé à boutons dorés était posé sur les épaules. D’autres silhouettes transposaient les incontournables masculins de la marque au vestiaire féminin, dans un esprit preppy rappelant celui de l’écrivaine new-yorkaise Fran Lebowitz : des blazers en tweed étaient associés à des pantalons habillés, tandis que chemises, cravates et pulls sans manches Fair Isle se superposaient.

Dans un communiqué officiel, Carlson a déclaré : « C’est le moment idéal pour que J. Press relance sa ligne femme. J’ai l’impression qu’il se passe quelque chose : le “style Ivy” envahit les podiums, même si J. Press, bien sûr, incarne l’authenticité. J. Press est synonyme de style Ivy. C’est une façon de s’habiller intemporelle et classique, qui a influencé tout ce qui s’est fait depuis dans la mode américaine. Elle renvoie à une époque plus bienveillante, plus douce, plus érudite et plus raffinée. »

Une grande partie de ce qui définit le style Ivy trouve ses racines dans les îles Britanniques, des traditions de tailleur de Savile Row, à Londres, jusqu’aux îles les plus reculées où des moutons indigènes fournissent encore certaines des meilleures laines au monde. À propos de la démarche initiale de Jacobi Press, Carlson explique : « Il n’a pas grandi avec toute cette culture britannique. Mais il avait l’œil, un goût impeccable et des exigences sans compromis. Il a créé une version idéalisée du monde qu’il imaginait à Cambridge et à Oxford, ainsi que dans les grandes propriétés de campagne britanniques. C’est ainsi qu’il a façonné ce que nous appelons aujourd’hui le “style Ivy” américain. »

Sur le podium, cela se traduisait aussi bien par les pulls Shetland « Shaggy Dog », signature de la marque et fabriqués en Écosse, que par des pulls de pêcheur irlandais en maille Aran, ainsi que par des accessoires de cou et des vêtements d’extérieur anglais. Côté matières, la collection réunissait des cachemires écossais et des Harris Tweeds, mais aussi des cheviots sur mesure et des flanelles anglaises produits par les manufactures textiles britanniques Fox Brothers et Marling & Evans.

Si de nombreuses silhouettes s’inscrivent dans des interprétations traditionnelles, à l’image de la gamme de manteaux en tweed aux tons terreux, d’autres réinventent ces étoffes patrimoniales dans des créations contemporaines. Des tissus patchwork, dont des carreaux de laine, ont été déclinés en manteaux remarquables, sacs polochons et cabas. La marque a également indiqué que la collection comprend de nouvelles collaborations avec Barbour, Gloverall et Lavenham, ainsi qu’une capsule spéciale Made in Japan.

Découvrez la galerie ci-dessus pour voir l’ensemble de la collection printemps-été 2027 de J. Press, et suivez Hypebeast pour les dernières actualités de la NYFW.

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Cela fait dix ans que TEN évolue sous les regards ; avec « OUTWEST » et « IRL », il cherche à se faire comprendre. Les deux titres paraissent ensemble, et c’est précisément là que réside leur propos : l’un se tourne vers ce qui l’attend, l’autre revisite la décennie qui l’a mené jusqu’ici. Pris séparément, ils ne racontent chacun qu’une moitié de l’histoire. Réunis, ils dessinent le portrait plus complet d’un artiste qui ouvre un nouveau chapitre sans faire comme si les précédents n’avaient jamais existé.

La lecture la plus évidente serait de voir « OUTWEST » comme le futur et « IRL » comme le passé, une distinction que TEN ne conteste pas vraiment. « “IRL” revient sur mon parcours au cours des dix dernières années, tandis que “OUTWEST” parle davantage de là où j’en suis aujourd’hui », explique-t-il. Mais il refuse l’idée qu’avancer implique de laisser quoi que ce soit derrière soi. Il envisage ces morceaux plus personnels comme un ajout plutôt qu’une rectification : une façon d’élargir le tableau, non de le remplacer. « Je voulais partager quelque chose de plus intime sans donner l’impression de tourner le dos à mon passé », confie-t-il. C’est justement parce qu’il ne renie pas cette dernière décennie qu’il tenait à ce que les deux titres s’écoutent d’une traite, plutôt que séparément.

Le changement le plus important ne tient toutefois pas à ce que disent les chansons, mais à leur mode de fabrication. Pour la première fois, TEN a participé dès l’émergence de l’idée, écrivant aux côtés de ses collaborateurs au lieu de recevoir un titre achevé qu’il n’aurait plus qu’à habiter ; pour lui, cette implication change tout. « Le fait d’être dans la pièce dès le début m’a donné bien plus de liberté pour explorer », dit-il. Cette liberté s’entend particulièrement dans « OUTWEST », qui glisse d’une sonorité à l’autre sans jamais se fixer dans un registre, une agitation qu’il relie directement à son tempérament. « J’ai toujours été ouvert à l’idée d’essayer de nouvelles choses et je n’aime pas définir la musique par les genres երաժշտaux », explique-t-il. Le morceau vagabonde parce que son esprit vagabondait lui aussi lorsqu’il l’écrivait, à la recherche d’une humeur qu’il décrit comme « libre, curieuse, avec l’envie d’aller là où je n’étais encore jamais allé ».

Si « OUTWEST » voit TEN s’ouvrir au monde, « IRL » le montre baisser sa garde — et il sait que l’exercice est plus risqué. Le public a d’abord découvert l’interprète, un rôle qu’il n’a aucune intention d’abandonner. « IRL » place simplement à ses côtés une version plus dépouillée de lui-même. « Avec “IRL”, je voulais chanter à mon sujet et partager une facette plus personnelle que le public n’a peut-être pas toujours l’occasion de voir », explique-t-il. Le moment n’a rien d’anodin : le morceau sert aussi de seuil à tout ce qu’il construit pour la suite. « C’est également le premier single chez ILLIMNT ; cela m’a semblé être le bon moment pour ouvrir cette porte et entamer ce nouveau chapitre », poursuit-il. Il espère que cette sincérité se transmettra également au public, et que la chanson agira comme une petite permission. « J’espère qu’elle donnera aussi aux auditeurs le courage d’assumer et d’exprimer qui ils sont vraiment », conclut-il.

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Nom : Song for the Mute x adidas Adizero EVO SL « Dove Grey »
Coloris : Dove Grey/Grey Two/Grey Six
Référence : KJ0774
Prix de vente conseillé : 180 $ US
Date de sortie : Disponible dès maintenant
Où l’acheter : adidas

La Song for the Mute x adidas Adizero EVO SL « Dove Grey » propose une interprétation sobre, mais expressive, de cette chaussure de running légère. Construite sur une base en mesh gris ton sur ton, elle se distingue par des graphismes dessinés à la main et des détails typographiques qui lui confèrent une touche artistique brute. Sa construction légère et sa silhouette épurée rappellent l’héritage performance de l’Adizero EVO SL, tandis que les superpositions artistiques ancrent le modèle dans un registre plus lifestyle.

La palette de gris ton sur ton est ponctuée de grands graphismes enfantins dessinés à la main, qui apportent une note organique et spontanée à cette chaussure de running technique. Des branches esquissées courent sur l’avant-pied, tandis que l’inscription « Run, Run, Run » est griffonnée sur la partie intérieure de l’avant-pied — un contrepoint ludique au texte « slow down » inscrit sur la languette. Le co-branding Song for the Mute, en écriture cursive, s’intègre discrètement au stabilisateur de languette et à la semelle intermédiaire latérale, assurant la visibilité de la collaboration sans rompre la ligne épurée et aérodynamique de la chaussure.

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Résumé

La personnalisation « Val Viola » de la Submariner par Artisans de Genève réinvente les nuances des lacs alpins grâce à un guillochage réalisé à la main.Elle intègre une complication de phase de lune en aventurine et nacre.Une lunette en céramique grise brossée encadre le cadran et en équilibre les scintillants contrastes.

Artisans de Genève dévoile « Val Viola », une personnalisation horlogère sur mesure réalisée pour le collectionneur M. A.N.I. et inspirée des teintes changeantes d’un lac alpin préservé au crépuscule. Fondé sur la Rolex Submariner personnelle du client (réf. 116610), ce projet sur mesure puise son inspiration dans les paysages paisibles et les contrastes saisissants de la haute montagne de Val Viola, une vallée isolée nichée dans les Alpes rhétiques.

Pour recréer le souvenir d’eaux qui, sous la lumière du soir, passent du turquoise au violet puis au vert, l’atelier a fait appel au guillochage traditionnel réalisé à la main. Pièce maîtresse de la montre, le cadran sur mesure est méticuleusement gravé à la main d’un motif géométrique précis, sculpté en relief, dont les tonalités et la profondeur se transforment sans cesse au gré de la lumière qui parcourt sa surface.

Pour contrebalancer l’éclat du cadran, l’architecture extérieure joue sur un contraste de matières subtil. La montre est dotée d’un insert de lunette en céramique grise brossée, choisi pour sa résistance aux rayures et son fini mat : au lieu de réfléchir la lumière, la céramique l’absorbe, encadre le cadran et laisse ses reflets chatoyants de guillochage occuper le devant de la scène. Une complication phases de lune apparaît à travers une ouverture nette ménagée dans la partie inférieure du cadran, ajoutant une profondeur poétique à l’ensemble. Réalisée à partir d’un disque d’aventurine bleue scintillante serti d’une lune lumineuse en nacre, elle évoque le ciel nocturne alpin tout en prolongeant le jeu de textures et de lumière de la montre, ainsi que son esthétique inspirée des paysages naturels.

Exclusivement réservée à cette commande privée, la Val Viola Submariner incarne la philosophie de l’atelier en matière de projets de « défi personnel », où chaque personnalisation naît d’un dialogue entre la vision du client et le savoir-faire de l’artisan. Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site officiel d’Artisans de Genève.

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Tomorrowland dévoile la WR1, sa toute première sneaker, et offre à sa communauté internationale une nouvelle façon d’emporter un morceau du festival dans son quotidien. Développée pendant plus d’un an, elle évoque moins un produit dérivé de festival qu’une paire que l’on attraperait un mardi ordinaire, avec ses lignes douces et organiques et sa semelle dont la forme s’inspire de la nature.

La signature de la WR1 se trouve sous le pied. Sa semelle sculptée s’inspire des fines lamelles rayonnantes qui tapissent le dessous d’un chapeau de champignon, transposant ces motifs naturels dans une forme tout en courbes et en superpositions, loin d’une surface plane. Ce langage organique se prolonge dans la silhouette : les lignes fluides et les textures superposées confèrent à la chaussure une allure douce et sculpturale. Plutôt que de courir après une esthétique de saison, le modèle adopte une forme intemporelle que Tomorrowland entend reconduire année après année.

Malgré tous ces détails, cette chaussure est faite pour le quotidien, pas pour devenir un souvenir réservé au festival. Elle passe naturellement d’un contexte à l’autre, d’une balade en ville en journée à une sortie tard le soir, sans jamais afficher ses origines. Le nom Tomorrowland reste discret dans l’ensemble du design : la silhouette porte l’identité du modèle, plutôt qu’un logo surdimensionné.

Au fond, la WR1 est avant tout pensée pour celles et ceux qui la portent. Tomorrowland a toujours été moins un festival qu’une communauté, un même esprit de mouvement, de lien et d’expression de soi que ses millions de fans conservent bien après la fin du dernier set. Cette chaussure est conçue pour cette communauté : une manière de garder près de soi ce sentiment d’appartenance, que l’on puisse ou non se rendre en Belgique une année donnée. Elle se décline aussi en plusieurs versions, afin que chacun puisse trouver celle qui correspond à son propre rythme, plutôt que de se conformer à une esthétique unique. C’est précisément l’intérêt de cette diversité : cette sneaker est pensée pour rejoindre chacun là où il se trouve et accompagner les parfums, objets pour la maison et pièces de design que la communauté intègre déjà à son quotidien comme autant de rappels personnels du lien qui l’unit.

Cette sneaker vient couronner une évolution lente et réfléchie. Ce qui a commencé il y a plus de quinze ans avec des T-shirts à logo et des casquettes s’est transformé en un univers lifestyle complet, couvrant la mode, les accessoires, le parfum, le bien-être, les objets pour la maison et le design, avec notamment des collaborations passées avec Grown Alchemist, Baobab Collection, Serax, Sarda et LOOP. Développée par l’équipe interne de la marque, la WR1 ouvre une catégorie entièrement nouvelle : la chaussure. Elle a fait ses débuts à Tomorrowland Belgique 2026, où les festivaliers ont été les premiers à découvrir et commander le modèle dans des boutiques conçues sur mesure, imaginées comme le prolongement sculptural de son design. Une campagne incarnée par Lost Frequencies, Miss Monique et NOVAH accompagne également ce lancement, chaque artiste donnant corps au mouvement et au lien qui sont au cœur de la WR1.

Le déploiement se poursuit ensuite ailleurs. La WR1 sera vendue au Tomorrowland Flagship Store d’Ibiza, à Magic of Tomorrowland en Chine, à Melbourne, à Amsterdam dans le cadre de l’Amsterdam Dance Event, ainsi qu’à Tomorrowland Thaïlande. Un pop-up à Hong Kong viendra compléter le programme, tandis que d’autres activations restent à confirmer. En parallèle de cette sortie, le documentaire de Tomorrowland sera projeté à Bangkok, Shanghai et Londres, offrant au lancement un ancrage culturel qui dépasse largement la chaussure elle-même.

La prévente mondiale de la Tomorrowland WR1 débutera le 13 septembre ; la campagne de préinscription sera lancée en septembre via la boutique Tomorrowland, qui restera le moyen le plus simple de se procurer une paire une fois la prévente terminée.

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Résumé

Jaeger-LeCoultre dévoile trois créations de haute horlogerie : Master Hybris Artistica Calibre 945, Duometre Grande Sonnerie et 101 Secrets.Au programme : un Cosmotourbillon céleste, un émail grisaille et un mouvement à carillon Westminster de 1 300 composants.La version haute joaillerie 101 Secrets renferme le plus petit mouvement mécanique rectangulaire au monde.

Jaeger-LeCoultre réaffirme son statut de « l’horloger des horlogers » en dévoilant trois garde-temps d’exception en éditions limitées, qui incarnent le sommet de la haute horlogerie, de la mécanique céleste et du sertissage joaillier.

En tête de ce trio, la Master Hybris Artistica Calibre 945 réinterprète avec virtuosité l’affichage du temps céleste, dans une édition limitée à cinq exemplaires seulement. Logé dans un boîtier de 45 mm en or blanc 18 carats, ce garde-temps saisit le ciel nocturne de la Vallée de Joux grâce à un cadran bombé à plusieurs niveaux, réalisé à la main en émail grisaille. Cette technique du XVIe siècle utilise l’émail blanc de Limoges pour créer des effets de clair-obscur tridimensionnels sur un fond bleu nuit. Le cadran associe une carte céleste de l’hémisphère Nord, qui suit en temps réel la position des constellations, au Cosmotourbillon volant de 73 composants, lequel effectue une rotation antihoraire autour du cadran à chaque jour sidéral (23 heures, 56 minutes et 4 secondes). Cet affichage astronomique est complété d’une répétition minutes intégrée, dotée de timbres en cristal Cathedral brevetés et de marteaux Trébuchet, qui délivrent une sonnerie pure et puissante.

Portant la complexité des sonneries à son apogée, la Duometre Grande Complication à Grande Sonnerie fait ses débuts dans une édition unique, animée par une interprétation actualisée du Calibre 182. Composé de 1 300 éléments et réunissant 15 complications, le garde-temps, doté d’un boîtier de 45 mm en or rose 18 carats et titane, abrite une Grande et Petite Sonnerie de type Westminster : quatre timbres et quatre marteaux y jouent la mélodie à quatre notes de Big Ben. Le mouvement exploite le système Duometre à double barillet de la maison — qui sépare l’énergie dédiée à la mesure du temps de celle réservée au mécanisme de sonnerie — et intègre un tourbillon volant ainsi qu’un quantième perpétuel rétrograde, réglé automatiquement pour les années bissextiles jusqu’en 2100. Ses améliorations acoustiques comprennent de longs timbres en verre métallique et une carrure intérieure en titane, tandis qu’un nouveau cadran ajouré laqué bleu gris révèle les complexes régulateurs de la séquence de sonnerie qui se cachent dessous.

Pour compléter ces lancements, Jaeger-LeCoultre présente une nouvelle version de la 101 Secrets, une montre secrète de haute joaillerie limitée à trois exemplaires. Réalisé en or rose 18 carats, son bracelet double rivière est serti de 124 saphirs roses, déclinés avec une gradation fluide en dix tailles et sept nuances, du cyclamen éclatant au rose poudré le plus délicat, et bordé d’un rang contrastant de diamants blancs sertis grain. Nécessitant 163 heures de sertissage dans l’atelier Métiers Rares™, ce bijou dissimule un cadran en nacre blanche sous ses maillons sertis de pierres ; il s’ouvre comme un livre lorsqu’on actionne un bouton caché à 6 heures. En son cœur bat le légendaire Calibre 101 à remontage manuel — inventé en 1929 et composé de 98 éléments pour un poids d’à peine un gramme — qui demeure le plus petit mouvement mécanique rectangulaire au monde. Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site officiel de Jaeger-LeCoultre.

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Nom : KEEN Jasper Merko
Prix conseillé : 135 $US
Date de sortie : 3 septembre
Où l’acheter : KEEN

KEEN réinvente son emblématique sneaker inspirée de l’escalade avec la Jasper Merko, un modèle audacieux à l’épure radicale. Conçue pour offrir des sensations inspirées de la marche pieds nus tout en réduisant son empreinte environnementale, elle associe des techniques de fabrication éprouvées à des solutions durables innovantes.

Déclinée en noir furtif, gris sourd et beige, la tige est confectionnée en daim haut de gamme issu de sources responsables. Sa construction cousue-retournée offre un chaussant souple et sans coutures, comme moulé directement au pied. Très texturée et près du sol, la semelle remonte de façon dynamique sur les côtés de la chaussure, favorisant des mouvements naturels et une expérience sensorielle plus directe. Fidèle à ses origines liées à la culture des falaises, la silhouette conserve un chaussant d’origine généreux, qui laisse les orteils s’écarter naturellement, ainsi qu’un laçage caractéristique qui descend jusqu’aux orteils.

Pour gagner en durabilité et en respect de l’environnement, la chaussure fait appel à KEEN.FUSION : la tige et la semelle sont assemblées par chaleur et pression, sans colles toxiques. Ce sont également les premières silhouettes de la marque à intégrer une semelle intermédiaire EcoEnd enrichie en composants biosourcés, permettant à la mousse d’amorti de se biodégrader naturellement en fin de vie.

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Audio-Technica dévoile son tout premier casque sans fil ouvert, le ATH-AL5NC.Il est équipé de transducteurs ouverts de 53 mm, d’un appairage Bluetooth multipoint et offre jusqu’à 75 heures d’écoute ininterrompue.Son application compagnon propose des modes dédiés à la réduction des fuites sonores et au gaming à faible latence.

Le 9 septembre 2026, les ingénieurs audio d’Audio-Technica ont officiellement présenté le casque ouvert sans fil ATH-AL5NC, proposé à 279 $US. Cette sortie marque le premier modèle ouvert sans fil de la marque. Ce lancement associe deux caractéristiques encore rarement réunies sur le marché actuel des casques. Traditionnellement, les modèles ouverts laissent passer les sons extérieurs au lieu de les isoler. Si cette circulation d’air continue empêche naturellement toute véritable isolation sonore et laisse le son s’échapper, elle offre une restitution plus naturelle tout en limitant l’accumulation de chaleur autour des oreilles.

Pour assurer ce profil acoustique naturel, l’appareil embarque des transducteurs ouverts de 53 mm. Côté fidélité sans fil, l’ATH-AL5NC prend en charge le streaming audio haute résolution en 24 bits/96 kHz grâce aux codecs LDAC, AAC et SBC. Malgré des composants conséquents, son format reste ergonomique. Le casque exerce une pression minimale sur la tête pour un confort prolongé et pèse 240 grammes. Un microphone intégré permet de gérer les appels du quotidien comme les sessions de jeu sans fil.

L’autonomie est au cœur de ce lancement. Audio-Technica annonce jusqu’à 75 heures d’écoute continue avec une charge complète. Lorsque le mode de réduction du bruit dédié est activé, l’autonomie atteint 50 heures d’écoute. Si la batterie est à plat, une recharge rapide de 15 minutes ajoute huit heures d’écoute. Pour gérer plusieurs flux audio, l’ATH-AL5NC intègre l’appairage Bluetooth multipoint et peut ainsi rester connecté à deux appareils simultanément.

Les utilisateurs qui souhaitent atténuer les limites acoustiques d’une conception ouverte peuvent s’appuyer sur l’application CONNECT. Son interface permet de personnaliser l’expérience d’écoute en ajustant l’égaliseur, en sélectionnant les codecs et en parcourant les préréglages. L’application propose également des modes distincts, conçus pour le jeu à faible latence et la réduction des fuites sonores. Des commandes physiques permettent d’activer le mode de réduction du bruit à l’aide d’un bouton tactile situé sur l’oreillette droite. Pour 279 $US, le casque est livré avec une pochette de transport et un câble de 1,2 mètre destiné aux connexions filaires.

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Résumé

Moncler inaugure son plus grand flagship mondial sur Fifth Avenue, réparti sur deux étages entiers imaginés par Gilles & Boissier.La boutique dévoile en avant‑première new‑yorkaise une capsule de collection exclusive LoveFrom et le tout premier atelier de commande sur mesure Moncler to Measure de la marque.Une nouvelle plateforme digitale dopée à l’IA prolonge l’expérience stylisme du flagship en ligne avec 5th Ave on the Go.

Moncler a inauguré son plus grand flagship au monde sur la Cinquième Avenue : un espace de 2 200 m² sur deux niveaux, conçu au fil de vingt ans de collaboration avec le studio français Gilles & Boissier. L’architecture de la boutique exprime pleinement l’identité de la marque, à la croisée de la montagne et de la métropole, à travers les volumes, le choix des matériaux et les détails structurels plutôt que par un branding de surface.

Dès l’entrée, les plafonds culminent à plus de huit mètres, créant une verticalité qui fait écho tant à l’héritage alpin de Moncler qu’aux gratte-ciel qui entourent la boutique. Des colonnes monumentales rythment l’intérieur, tandis qu’une « cabine de curiosités » indépendante accueille des installations saisonnières renouvelées au fil des saisons. La façade vitrée extérieure, revêtue de granit Saint Williams et intégrant des bandes LED, produit un effet lumineux cinétique pensé pour rivaliser avec l’intensité visuelle de Times Square, tout proche.

À l’intérieur, le sol signature en damier alterne finitions polies et brutes. Cette même pierre habille colonnes, arches et murs, instaurant une base minérale cohérente sous les éléments plus sculpturaux qui la surplombent. De hautes vitrines en verre texturé évoquent des cascades gelées, tandis que des œuvres d’art sélectionnées avec soin et des installations multimédias ponctuent l’espace. Une pièce maîtresse sculpturale en pierre signée Ugo Rondinone relie directement les deux niveaux et ancre la verticalité de la boutique dans une présence montagneuse tangible, aux côtés d’autres œuvres de Jean-Guillaume Mathiaut, Paul Bik et Arno Declercq.

Le rez-de-chaussée présente les dernières créations Homme, Femme et Enfant de la ligne principale Moncler Collection, ainsi que les co-créations Moncler Genius et les nouveautés chaussures de la marque. Entièrement consacré à Moncler Grenoble, le deuxième étage réunit des vêtements de ski haute performance, des masques, des pièces d’après-ski et des couches légères pour la randonnée et le trekking, ainsi que des produits issus de collaborations : les interprétations Moncler Grenoble des skis Stöckli, des casques POC et des snowboards WHITESPACE x Moncler Grenoble développés avec Shaun White.

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La longue tournée DETOX de ONE OK ROCK a atteint son ultime étape le 6 septembre 2026, au ZOZO Marine Stadium de Chiba. Pour le groupe comme pour ses fans, cette série de concerts de clôture était particulièrement chargée en émotions. Beaucoup l’ont surnommée la « tournée de rédemption de Taka », après la blessure du chanteur lors de la deuxième soirée au Nissan Stadium en 2025. Au cours des douze derniers mois, le quatuor a conquis les salles et réuni près de 800 000 fans dans 53 villes à travers le monde. Pour conclure sa tournée japonaise, entre dates en arenas et concerts en plein air dans des stades, le groupe est entré sur le terrain devant 40 000 fans en liesse pour une dernière soirée qu’il était déterminé à rendre plus triomphale que jamais.

Masahiro Yamada

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Kosuke Ito

Vivre ce concert en plein air, au milieu d’une météo capricieuse et d’une foule en effervescence, avait quelque chose de proprement électrisant : ONE OK ROCK a transformé cette arène à ciel ouvert en une tempête sensorielle contagieuse. Entre la pluie et les clameurs assourdissantes qui montaient du terrain, chaque morceau a pris une ampleur bien au-delà de sa version studio. L’interprétation acoustique de « Delusion:All » s’est chargée d’une émotion immense, tandis que des hymnes de stade comme « We Are » ont gagné en intensité pour devenir des déclarations vibrantes, fédérant toute l’enceinte.

Un peu plus d’une heure après le début du concert, l’histoire a pris un tournant ambitieux avec l’arrivée de YAO, le collectif de supergroupe réunissant Awich, CHICO CARLITO et Paledusk aux côtés de ONE OK ROCK. Tel un arc narratif parallèle dans un univers créatif en expansion, tous les membres de YAO se sont retrouvés sur scène pour embraser le stade avec leur explosif premier titre, « 777 », avant d’interpréter avec une profonde émotion leur deuxième single, « FOR OKINAWA », officiellement sorti seulement deux jours avant le concert. Une démonstration saisissante de la façon dont la vision créative du groupe continue d’évoluer sans jamais s’immobiliser.

Au fil de la soirée, une évidence s’est imposée : assister à un concert de ONE OK ROCK revient aussi à vivre une séance de thérapie collective. En deux décennies, leur musique a dépassé l’angoisse adolescente brute pour devenir une catharsis mûre et profondément introspective, où le feu et la rage sont savamment contenus sans jamais être amoindris — exprimés par un soi plus âgé qui se tourne vers son moi plus jeune pour le protéger et le guider. Cette charge émotionnelle naît d’une authenticité sans artifice : comme l’explique Taka, ses prises de parole en plein concert ne sont jamais répétées ; elles découlent directement de la manière dont le groupe vit au quotidien et de ce qu’il ressent à cet instant. Que des dizaines de milliers de personnes reprennent à pleins poumons « The Pilot ᐸ/3, » sautent à l’unisson sur le refrain de « Stand Out Fit In », ou se jettent dans un mosh pit pendant « The Beginning », cette vulnérabilité partagée procure un exutoire rare et réparateur.

Mais bien avant que cette catharsis à l’échelle d’un stade n’éclate sous le ciel nocturne, un calme feutré régnait en coulisses. Décrocher une interview assise le jour d’une immense date de clôture en stade est quasiment inédit avec ONE OK ROCK ; notre rencontre avant le concert au ZOZO Marine Stadium relevait donc du privilège. Une heure à peine avant de monter sur scène — alors que les 40 000 fans dehors montaient en fièvre — Taka s’est entretenu avec Hypebeast dans la loge. Tandis que l’arène extérieure bouillonnait d’impatience, le chanteur est resté remarquablement posé, concentré sur l’idée de demeurer aussi calme et détendu que possible avant d’entrer dans la lumière.

« Le lien entre les fans et ONE OK ROCK, c’est une collision d’énergies. Si l’un des deux n’est pas pleinement présent, cet espace n’existe pas. »

Vous souvenez-vous de l’époque où Toru vous poursuivait jusque sur votre lieu de travail à temps partiel pour vous convaincre de rejoindre ONE OK ROCK ? Vous rappelez-vous ce qui vous a finalement fait dire « oui » au groupe ?

Taka : Il était tellement insistant ! Il est venu chez moi un nombre incalculable de fois. À l’époque, on était encore scolarisés — moi, j’avais déjà arrêté, mais lui était toujours à l’école, donc il ne pouvait généralement même pas sortir tard le soir. [Rires]

À cette époque, je ne faisais pas vraiment confiance aux gens autour de moi, alors quand il m’expliquait tout ça, je me disais juste : « OK, blablabla. » Mais il m’a montré une telle passion : à quel point il voulait monter ce groupe et combien il avait besoin d’un chanteur à ce moment-là. Il n’arrêtait pas de me montrer sa passion et l’amour qu’il portait à ce groupe. C’est pour ça que j’ai décidé d’aller d’abord à une répétition. Une fois sur place, en ressentant l’ambiance, je me suis dit : « Ah, en fait, j’ai envie de faire ce groupe de rock. » Ça s’est fait très naturellement. C’est sa passion qui m’a convaincu.

On dit souvent que le rock n’est plus une musique grand public, surtout en Occident. Pourtant, ONE OK ROCK remplit des stades partout dans le monde, année après année. Qu’est-ce qui, selon vous, rend vos concerts si puissants aujourd’hui ?

Ce n’est pas seulement nous. Notre équipe, mes amis et tant de personnes travaillent sans relâche pour ONE OK ROCK. C’est grâce à eux que nous pouvons encore monter une scène aussi formidable aujourd’hui, et je leur en suis toujours reconnaissant. Nous, nous sommes simplement sur scène à chanter et à jouer des instruments — c’est notre travail. Tout le reste, c’est notre équipe qui le fait.

Pensez-vous qu’une partie de ce lien vient de votre message ? Est-ce le sens de vos chansons qui rend cette expérience si puissante ?

Je le pense. Mais je ne suis pas vraiment du genre à préparer mes prises de parole à l’avance ; je parle sur le moment. Du coup, j’ai le sentiment que notre manière de vivre au quotidien — notre manière de vivre en tant qu’êtres humains — se reflète encore plus directement sur scène.

Vous avez joué devant tant de fans au cours de cette tournée. À quoi pensez-vous dans les dix secondes qui précèdent votre entrée en scène ?

Tout se joue vraiment dans ma capacité à rester naturel et calme. Trois à cinq secondes avant d’entrer, j’essaie simplement de me sentir comme je me sens là, maintenant : détendu.

Les concerts de ONE OK ROCK sont célèbres pour leur énergie — mosh pits, sauts, headbanging et chants repris en chœur. Qu’est-ce qui rend le lien entre le groupe et le public si particulier ?

Le lien entre les fans et ONE OK ROCK, c’est une collision d’énergies. Si l’un des deux n’est pas pleinement présent, cet espace n’existe pas. Nous comptons sur les fans pour nous aider à faire le concert, et eux viennent aussi chercher quelque chose auprès de nous. Tant que cet échange mutuel existe, nous pouvons continuer à donner de grands concerts.

J’ai une petite anecdote à vous raconter : hier, en faisant du shopping à Shibuya, j’ai sympathisé avec un vendeur grâce à ONE OK ROCK. Il m’a dit qu’il écoutait le groupe depuis des années et que vos chansons étaient comme sa « bible ». Je crois que beaucoup de vos fans de longue date — moi y compris — ressentent exactement la même chose.

Oh, waouh. Merci beaucoup de me raconter ça. Ça me touche vraiment beaucoup.

« Honnêtement, le prochain album que nous sortirons exprimera sans doute encore davantage qui nous sommes aujourd’hui. »

Vous sortez également A Decade of Greatest Hits le mois prochain, mais vous avez choisi de le lancer avec un tout nouveau titre, « Fever ». De quoi parle « Fever » ?

J’ai écrit cette chanson en pleine période de COVID-19, justement à cause de son titre. À l’époque, entre « Fever », le contexte et les paroles, ça ne collait tout simplement pas. Juste après la levée des restrictions au Japon, nous avons donné des concerts où le public devait rester complètement silencieux — pas de cris, pas de mosh pits. J’ai envisagé de sortir le morceau, mais j’ai reçu énormément de critiques en ligne parce que j’encourageais le public à s’enflammer à ce moment-là. Je me suis dit : « Il ne faut pas que ça prenne encore plus d’ampleur », alors j’ai retenu sa sortie.

Mais « Fever » ne figurait pas non plus sur l’album DETOX, sorti après le COVID. Le gardiez-vous pour une autre occasion ?

Oui, j’attendais le bon moment pour le sortir. « Fever » est vraiment rempli de passion ; c’est un morceau très émotionnel. J’ai réenregistré les voix tellement de fois et, maintenant que je sens que mon niveau vocal s’est beaucoup amélioré, voici la version définitive. Je ne voulais pas le garder indéfiniment, alors j’ai décidé que le moment était enfin venu de le sortir.

Ce nouveau morceau représente-t-il là où en est ONE OK ROCK aujourd’hui ?

Je me le demande. Honnêtement, le prochain album que nous sortirons exprimera sans doute encore davantage qui nous sommes aujourd’hui.

Le prochain album ?

J’y travaille.

Vous y travaillez déjà ? Mais comment trouvez-vous le temps ?

Je suis fatigué ! [Rires]

Avez-vous déjà des projets de concerts pour l’année prochaine ? Notamment ailleurs dans le monde ?

Je veux tellement retourner en Chine et à Hong Kong. Je veux revoir tout le monde et partager de beaux souvenirs avec mes fans. Je veux que cela se reproduise ; les concerts annulés sont mon seul regret sur l’ensemble de cette tournée.

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Breitling et Cathay Pacific dévoilent l’Avenger Automatic GMT 44 80th Anniversary Edition, une série limitée à 300 pièces.Elle se distingue par un cadran Cathay Jade Green, le logo Brushwing, une aiguille GMT rouge et un Caliber 32 certifié COSC.Proposée avec un bracelet en acier et un bracelet en veau vert, au prix d’environ 6 351 $ US.

Breitling s’est associée à Cathay Pacific, la compagnie aérienne emblématique de Hong Kong, pour dévoiler l’Avenger Automatic GMT 44 Cathay Pacific 80th Anniversary Edition. Lancée pour célébrer les huit décennies d’activité de la compagnie, cette montre en édition limitée conjugue le riche héritage de Breitling dans l’aviation et l’univers du voyage propre à Cathay. Strictement limitée à 300 exemplaires dans le monde, cette montre de 44 mm se distingue par son cadran vert jade signature de Cathay, rehaussé du célèbre logo Brushwing de la compagnie au-dessus de 6 heures et d’une aiguille GMT rouge contrastante permettant de suivre un second fuseau horaire.

La montre se distingue par son cadran vert jade signature de Cathay, où le logo Brushwing est mis en évidence au-dessus de 6 heures. Logée dans un boîtier en acier inoxydable de 44 mm de diamètre et 12,05 mm d’épaisseur, elle est dotée d’une lunette crantée bidirectionnelle graduée sur 24 heures, de cavaliers protégeant le verre, d’une couronne vissée striée conçue pour être manipulée avec des gants, ainsi que d’une étanchéité remarquable de 30 ATM. Pensée pour l’affichage de deux fuseaux horaires, l’aiguille GMT rouge fonctionne de concert avec la lunette 24 heures et le rehaut afin d’offrir une lecture immédiate aux grands voyageurs, tandis que le guichet de date se situe à 3 heures.

La montre est animée par le mouvement automatique Breitling Calibre 32, certifié COSC, qui bat à 28 800 alternances par heure et offre une réserve de marche de 42 heures. Au dos, le fond de boîte plein en acier, vissé, est gravé du logo Cathay Pacific, de l’inscription « 80 YEARS TOGETHER » et de la mention individuelle « ONE OF 300 ». Proposée avec un bracelet en acier inoxydable à trois rangs doté d’une boucle déployante à micro-ajustement rapide, ainsi qu’avec un bracelet interchangeable vert en cuir de veau façon militaire, cette édition limitée passe avec aisance de l’utilité du cockpit à une allure plus raffinée au quotidien. Affichée à 49 800 HKD (environ 6 351 USD), elle est disponible auprès de Cathay Pacific.

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HOMME PLISSÉ ISSEY MIYAKE s’apprête à lancer son deuxième projet « OPEN STUDIO » au Tate Modern de Londres le 17 septembre 2026.Inspirées par « The Snail » de Henri Matisse, les pièces plissées célèbrent le rythme, la couleur et le mouvement.

HOMME PLISSÉ ISSEY MIYAKE a dévoilé sa deuxième édition d’« OPEN STUDIO » à Tate Modern, avec une collection capsule inspirée de « L’Escargot », l’iconique œuvre en papiers découpés réalisée par Henri Matisse en 1953.

Dans le prolongement du dialogue que la marque entretient entre art, design et mouvement, cette activation spéciale donne vie aux compositions géométriques dynamiques de Matisse grâce à la technologie de plissage emblématique d’ISSEY MIYAKE. Présentée au cœur même de Tate Modern, l’installation met en lumière la manière dont le design structurel peut faire le lien entre les beaux-arts et le vêtement, créant un espace fluide et interactif où les visiteurs peuvent voir des aplats de couleur abstraits se transformer en pièces tridimensionnelles pensées pour le mouvement.

La collection capsule transpose la vibrante composition de Matisse en papiers découpés sur des vêtements plissés qui célèbrent le rythme, la couleur et le mouvement. Plutôt que de simplement reproduire l’œuvre comme ornement, l’équipe de création s’est inspirée du procédé de Matisse, qui consistait à découper et à agencer les formes — une démarche naturellement en accord avec la philosophie de transformation par le plissé de la marque.

La capsule sera présentée le 16 septembre 2026 dans The Tanks de Tate Modern. Le lancement comprendra une performance dansée créée pour le lieu, qui animera les vêtements dans un cadre à la fois architectural et performatif. Cette approche souligne le lien de longue date que la marque établit entre le vêtement plissé et la performance, inscrivant la mode dans un dialogue culturel plus vaste.

 

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Nom : adidas Originals Adistar Control 5 « Watermelon Smoothie »
Coloris : « Watermelon Smoothie »
Référence : à confirmer
Prix de vente conseillé : 160 $ US
Date de sortie : 12 septembre
Où l’acheter : adidas

adidas Originals et Larry June, artiste de la baie de San Francisco, poursuivent leur collaboration avec la sortie de l’Adistar Control 5 « Watermelon Smoothie ». Deuxième coloris après une sortie exclusive réservée aux proches de la marque, cette version revisite la chaussure de running du début des années 2000 dans un esprit lifestyle résolument frais.

Inspiré des habitudes personnelles de Larry June en matière de santé et de bien-être — et plus précisément de son rituel du smoothie à la pastèque — le design traduit l’intentionnalité chère à la côte Ouest en codes esthétiques. Le coloris « Watermelon Smoothie » repose sur une base en mesh blanc ajouré, rehaussée d’empiècements ton sur ton superposés, pour une allure nette et respirante. Son élément phare ? Un dégradé vibrant qui passe avec fluidité du « Semi Lucid Red » au « Semi Solar Slime », puis à des nuances argile, reproduisant directement les teintes rafraîchissantes de la boisson qui lui donne son nom. Un marquage signature Larry June personnalisé vient parfaire la tige et apporter une touche personnelle à cette silhouette d’inspiration vintage.

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Jacob & Co. révèle la Brilliant Flying Tourbillon Baguette Pastel Arlequino, une pièce unique affichée à 693 000 $ US.Elle se distingue par le tout premier balancier serti de diamants de l’horlogerie contemporaine, orné de 54 diamants taille brillant.

Jacob & Co. dévoile la Brilliant Flying Tourbillon Baguette Pastel Arlequino, une pièce unique qui repousse les frontières de la haute horlogerie comme de la haute joaillerie.

Au cœur de cette nouveauté, une innovation inédite au monde : le balancier est serti de 54 diamants blancs taille brillant. En oscillant à 21 600 alternances par heure, au rythme de la rotation du tourbillon volant, il crée un effet de halo lumineux. Cette prouesse technique fait revivre un chapitre oublié de l’histoire horlogère et prouve que le sertissage peut s’intégrer à l’organe réglant sans compromettre les performances chronométriques.

Le langage esthétique de la Pastel Arlequino se révèle tout aussi audacieux. Sur le boîtier de 42 mm en or gris, le cadran, la couronne et la boucle, 366 saphirs pastel et diamants blancs sont sertis invisiblement. Ils sont disposés dans un jeu de contrastes assumés, loin de tout dégradé fondu. Inspirée du costume d’Arlecchino, personnage de la commedia dell’arte italienne, la composition juxtapose le lavande et le rose, le vert et le bleu, pour une surface vibrante mais harmonieuse. Avec ses 11,61 mm d’épaisseur, elle propose une interprétation plus compacte de la Brilliant Collection de Jacob & Co., sans rien perdre de sa présence affirmée.

La montre est animée par le calibre JCFA02 de Jacob & Co., un mouvement à remontage automatique doté d’un micro-rotor et d’un tourbillon volant, offrant 72 heures de réserve de marche. Les ponts sont sertis de 234 diamants taille brillant, en écho au balancier serti de diamants, et les finitions répondent aux exigences de la haute horlogerie. Éditée en pièce unique et proposée à 693 000 dollars américains, la Brilliant Flying Tourbillon Baguette Pastel Arlequino incarne la philosophie « Inspired by the Impossible » de Jacob & Co., associant précision technique et créativité audacieuse. Pour en savoir plus, rendez-vous sur le site officiel de Jacob & Co.

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A.PRESSE inaugure un espace de vente dédié avec Gallery HBX, pensé autour d’un concept Space Age rétro-futuriste.L’intérieur marie des parois en palissandre et des éléments en laiton à un mobilier vintage soigneusement sélectionné, allant des années 1930 aux années 1970.Gallery HBX conçoit ce lieu comme une vision du futur telle qu’on l’imaginait dans les années 1960 et 1970.

A.PRESSE a ouvert, en collaboration avec Gallery HBX, un espace de vente dédié entièrement conçu autour d’un concept que la galerie appelle « Space Age Retro Future ». Loin de se concentrer uniquement sur les nouvelles collections, cet espace fait de son architecture intérieure le prolongement de l’identité d’A.PRESSE, en réinterprétant le futurisme du milieu du XXe siècle dans un décor pensé spécialement pour les vêtements de la marque.

L’intérieur s’articule autour de murs en palissandre sous un plafond à lames de bois, adouci par des tapis de laine et des rideaux en melton dans l’ensemble de l’espace. Les vêtements sont présentés sur des portants en laiton massif : un détail qui inscrit directement le mobilier de vente dans la palette de matériaux du lieu, plutôt que de le réduire à de simples éléments fonctionnels.

Aux côtés des présentoirs de vêtements, l’espace accueille une sélection de pièces vintage couvrant plusieurs décennies : un canapé MP-61 de Percival Lafer datant de 1972, une paire de fauteuils brésiliens et des appliques « A-lamp » en laiton patiné de Louis Poulsen, créées dans les années 1930. Percival Lafer a bâti sa réputation au Brésil en dessinant des meubles aux formes arrondies et sculpturales, inscrits dans le même langage organique et futuriste qui a plus largement façonné le design Space Age, tandis que Louis Poulsen produit depuis près d’un siècle des luminaires reconnus pour leurs structures sculpturales en laiton et en métal. Réunies ici, ces pièces ancrent le concept futuriste du lieu dans des objets réellement issus des époques auxquelles il fait référence, plutôt que dans des répliques nouvellement fabriquées.

Le concept renvoie moins littéralement à l’espace extra-atmosphérique qu’à « l’avenir tel que l’imaginaient les gens du passé ». Il évoque la manière dont le public des années 1960 et 1970 se représentait le futur, à travers du mobilier aux lignes arrondies, des formes épurées et des matériaux industriels. La galerie présente cet espace comme une tentative d’inscrire A.PRESSE dans ce même futur imaginé, en réinterprétant ces codes du design à travers le regard contemporain de la marque sur le vêtement plutôt qu’en recréant ces décennies à l’identique.

Cette approche fait de l’espace une reconstruction plutôt qu’un décor d’époque : elle reprend un langage formel né à un moment précis des années 1960 et 1970 et le filtre à travers le regard actuel d’A.PRESSE. Gallery HBX rattache cette idée au fil conducteur du projet : regarder le futur depuis le passé, puis ramener cette vision dans le présent par l’intermédiaire de la marque.

L’espace dédié A.PRESSE par Gallery HBX est désormais ouvert.

Espace dédié A.PRESSE par Gallery HBX
Boutique B52
BELOWGROUND
Landmark Atrium
15, Queen’s Road Central
Hong Kong

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« Avengers: Doomsday » a déjà engrangé 50 millions de dollars de préventes sur le marché domestique, trois mois avant sa sortie prévue le 18 décembre.Plus de 70 % de ces ventes concernent des billets pour la nouvelle certification premium grand format Infinity Vision de Disney.Ces chiffres ont été dévoilés par le directeur financier de Disney, Hugh Johnston, lors de la conférence Goldman Sachs Communacopia + Technology Conference.

À trois mois de sa sortie en salles, le 18 décembre, Avengers: Doomsday a déjà engrangé 50 millions de dollars de préventes aux États-Unis, selon Disney, relayé par Variety. Le studio a dévoilé ces chiffres dans le cadre d'un point plus large sur les perspectives du film au box-office avant sa sortie.

Sur ces 50 millions de dollars, plus de 70 % des préventes concernent spécifiquement des séances Infinity Vision, la nouvelle certification créée par Disney pour les salles premium grand format. Dévoilé par Disney lors du CinemaCon, Infinity Vision promet aux spectateurs « les expériences cinématographiques les plus vastes, les plus lumineuses et les plus immersives ». La répartition des préventes laisse déjà entendre que le public privilégie ce format amélioré aux séances standard, bien avant la sortie du film.

Ces chiffres ont été annoncés mercredi par Hugh Johnston, vice-président exécutif senior et directeur financier de The Walt Disney Company, lors d'une présentation à la conférence Goldman Sachs Communacopia + Technology. Le fait de communiquer des données de préventes si longtemps avant la sortie, et dans le cadre d'une conférence financière plutôt que d'une campagne promotionnelle traditionnelle, souligne combien les performances de Doomsday lors de son premier week-end d'exploitation sont déterminantes pour les perspectives à court terme de Disney.

Réalisé par Anthony et Joe Russo, le film réunit les Avengers, les Quatre Fantastiques, les Thunderbolts et les X-Men originels dans une histoire centrée sur Victor Von Doom. Après la mort de Tony Stark dans Avengers: Endgame, Robert Downey Jr. revient dans la franchise pour incarner ce personnage, aux côtés de Chris Evans, Chris Hemsworth, Paul Rudd, Letitia Wright, Sebastian Stan, Tom Hiddleston et Simu Liu, qui reprennent tous leurs rôles dans le MCU.

Avengers: Doomsday sortira en salles le 18 décembre.

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La Formula 1 inaugure ce week‑end le circuit urbain de Madrid pour le Grand Prix d’Espagne.Le tracé compte 23 virages et serpente entre les rues de la ville et la campagne, reliées par des tunnels autoroutiers.Les essais de Formula 3 en amont de l’événement ont donné lieu à 19 drapeaux rouges et cinq châssis détruits.

La Formule 1 organise ce week-end le Grand Prix d’Espagne dans la capitale, sur le tout nouveau circuit urbain de Madrid. Situé dans les limites de la ville, dans la banlieue nord-est, le site s’inscrit dans une stratégie visant à implanter des circuits urbains dans de grandes métropoles internationales. À l’image des nouveaux tracés de Miami et de Las Vegas, il a été conçu pour multiplier les possibilités d’hospitalité destinées aux entreprises. Sa proximité avec l’aéroport et une station de métro devrait permettre d’accueillir un large public sans les retards logistiques fréquents sur les circuits européens en zone rurale. Parmi les offres d’hospitalité haut de gamme figurent deux garages idéalement situés dans les stands, entre ceux de Red Bull et Mercedes, réservés à un restaurant Gordon Ramsay.

Le tracé combine plusieurs environnements. La moitié du circuit emprunte des routes en service autour du parc des expositions IFEMA, tandis que l’autre moitié se déploie dans la campagne alentour. Pour relier ces deux sections, les monoplaces passeront sous l’autoroute qui les sépare, via deux tunnels. Les pilotes devront négocier 23 virages, un chiffre que Lando Norris a évalué sur simulateur. Andrea Stella, patron de McLaren, a indiqué que le tracé comportait davantage de virages et de chicanes rapides que le circuit urbain de Djeddah. Élément phare du parcours, La Monumental a été conçue pour être plus imposante et plus rapide que le virage relevé de Zandvoort.

Le dessin agressif du circuit a déjà eu des conséquences lors de récents essais. Un test de Formule 3 de deux jours sur le circuit urbain de Madrid s’est soldé par 19 drapeaux rouges et cinq châssis entièrement détruits. Fred Vasseur, directeur de Ferrari, a relevé que le revêtement était nettement bosselé lors de ces séances. Alex Albon a comparé ce tracé sans pardon à celui de Macao et prédit qu’il n’y aura aucun dépassement en course. Avec des épreuves de Formule 2 et de Formule 3 au programme du week-end, les barrières risquent d’être très sollicitées.

À l’approche du week-end, Ferrari est la seule écurie à avoir déjà roulé sur ce circuit en conditions réelles. La Scuderia a consacré l’une de ses deux journées de tournage annuelles à faire rouler Lewis Hamilton et Charles Leclerc sur des pneus de démonstration Pirelli, sur une piste sale. Carlos Sainz Jr. a lui aussi participé à la promotion du circuit urbain de Madrid, sur ses terres. L’action en piste débutera officiellement vendredi avec les essais libres.

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Lionel Messi a conclu un accord préliminaire pour devenir l’actionnaire majoritaire du club de La Liga 2, le CD Eldense.Ce club basé à Alicante a annoncé cette acquisition en attente alors qu’il traverse un remaniement sur le banc et un début de saison mouvementé.Cette reprise élargit le portefeuille grandissant du joueur de 39 ans dans le football espagnol depuis sa retraite internationale.

Après avoir pris sa retraite internationale, Lionel Messi étend son influence dans la hiérarchie du football espagnol. L’attaquant de 39 ans, qui évolue actuellement à l’Inter Miami, a officiellement conclu un accord préliminaire pour devenir l’actionnaire majoritaire du CD Eldense. Annoncée le 9 septembre 2026 par le club de deuxième division, cette acquisition en attente marque une importante prise de pouvoir pour l’icône argentine. Ce virage vers les sphères dirigeantes intervient à une période charnière pour le joueur, juste après la fin de sa carrière internationale, conclue sur la douloureuse défaite 1-0 de l’Argentine face à l’Espagne en finale de la Coupe du monde 2026. Loin de s’effacer à l’approche du crépuscule de sa carrière, Messi redessine l’héritage qu’il laissera hors des terrains en renforçant ses investissements dans l’écosystème sportif espagnol.

Le projet de cette reprise très médiatisée est en marche, même si les dernières formalités n’ont pas encore été finalisées. La transaction prévoit que Messi rachète la participation de contrôle du club, actuellement détenue par Grupo TH Soluciones. Comme pour toute franchise professionnelle, les exigences administratives imposent une procédure habituelle d’audit préalable, ainsi que diverses démarches juridiques et contractuelles essentielles. Au-delà des accords conclus en conseil d’administration, l’acquisition doit recevoir l’autorisation officielle du Conseil supérieur des sports espagnol (CSD) avant que la star ne puisse prendre pleinement le contrôle de l’organisation.

Messi hérite d’un chantier de reconstruction complexe : le club d’Alicante connaît actuellement un début de saison mouvementé en Liga 2. Au moment de l’annonce du changement de propriétaire, le CD Eldense occupait la 20e place du classement, avec seulement deux points en quatre matches. La pression interne a déjà entraîné des changements opérationnels : plus tôt dans la semaine où l’accord préliminaire a été rendu public, l’équipe s’est séparée de son entraîneur principal, Claudio Barragan. Malgré ce remaniement au sein de la direction, l’équipe première du CD Eldense prépare son prochain match contre le Real Sporting de Gijón.

Cette reprise imminente constitue le deuxième investissement majeur de Messi dans un club espagnol cette année, étoffant un portefeuille qui couvre plusieurs échelons de la pyramide compétitive. Son incursion en Liga 2 fait suite au rachat, en avril 2026, du club catalan de cinquième division Cornella. En acquérant un club de deuxième division pour compléter son investissement à la base de la pyramide, l’attaquant organise une transition structurelle loin de la sélection nationale et met à profit son capital culturel pour bâtir un empire du football espagnol qui lui survivra sur les terrains.

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Trey Parker et Matt Stone présentent leurs excuses pour le retard pris sur leur collaboration cinématographique avec Kendrick Lamar.La comédie musicale, dont le titre provisoire est « Whitney Springs », est en cours de production chez Paramount, sous la bannière Park County de Parker et Stone.Lamar coproduit le projet aux côtés de pgLang, le label de Dave Free, tandis que l’intrigue continue d’évoluer au fil des différents rapports.

Les créateurs de South Park, Trey Parker et Matt Stone, s’expriment sur les années de retard accumulées par leur collaboration cinématographique avec Kendrick Lamar. Alors que le projet poursuit son développement chez Paramount, ils ont présenté leurs excuses officielles à leurs partenaires de production. Cette comédie musicale, actuellement connue sous le titre provisoire Whitney Springs, est en développement depuis des années et n’a toujours pas de date de sortie confirmée.

Whitney Springs est produit chez Paramount, le studio à l’origine de South Park. Parker et Stone y travaillent via leur société Park County, tandis que Kendrick Lamar produit aux côtés de Dave Free par l’intermédiaire de leur entreprise pgLang. Deux structures créatives de premier plan soutiennent ainsi un projet qui n’a pas encore trouvé de date de sortie.

Parker et Stone ont directement évoqué ce retard dans une déclaration à The Ankler. « Nous assumons l’entière responsabilité du retard pris dans le calendrier de ce film, ont-ils déclaré. Nous présentons nos excuses à nos partenaires de pgLang et Paramount, et nous les remercions de leur patience. South Park et les aléas de la vie ont fait obstacle, mais nous croyons toujours en ce projet. » Les représentants de Paramount, Parker et Stone n’ont pas immédiatement répondu à la demande de commentaire supplémentaire de Variety.

Les détails de l’intrigue du film varient selon les sources. Les premiers résumés évoquaient un homme noir employé comme figurant incarnant un esclave dans un musée d’histoire vivante, qui découvre que la famille de sa petite amie blanche avait autrefois possédé ses ancêtres. Selon The Ankler, l’histoire s’orienterait toutefois désormais vers ce figurant, aux prises avec le maire raciste d’une ville du Midwest — un rôle que Parker devrait lui-même interpréter. Le média rapporte également que Lamar a enregistré plusieurs chansons originales pour le projet, reliant ainsi directement sa carrière musicale au film, au-delà de son crédit de producteur.

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'Nintendo Switch Sports Resort' enrichit l’offre de son prédécesseur avec 12 sports jouables par détection de mouvement, plus un échauffement à la corde à sauter.Le jeu fait revenir Wuhu Island en tant que véritable complexe touristique entièrement explorable, ressuscitant ainsi l’un des emblèmes de Wii Sports Resort.Les joueurs peuvent s’affronter ou faire équipe en ligne en utilisant des avatars personnalisables Sportsmate ou les classiques personnages Mii.

Nintendo transpose sa collection de jeux de sport à commandes par mouvements sur Nintendo Switch 2 avec Nintendo Switch Sports Resort. Cette suite étoffe considérablement le Switch Sports original tout en reprenant directement la formule de Wii Sports Resort. Parmi les exclusivités Switch 2 les plus nostalgiques, le jeu s’appuie sur l’accessibilité immédiate qui avait fait de son prédécesseur sur Wii un incontournable de sa génération de consoles.

La sélection réunit 12 sports jouables grâce aux commandes par mouvements des Joy-Con 2 : boxe, tennis de table, tir à l’arc, tennis, volley-ball, bowling, basket-ball, golf, lutte de pouces, skateboard, navigation de plaisance rapide et pilotage d’avion à hélice. Une activité de corde à sauter sert également d’échauffement. La plupart des épreuves nécessitent une ou deux manettes Joy-Con 2 pour détecter les mouvements, mais le skateboard propose aussi une commande à la souris, offrant plusieurs façons d’aborder une même discipline.

Au-delà des disciplines elles-mêmes, le jeu fait revenir l’île Wuhu sous la forme d’un complexe hôtelier explorable : les joueurs peuvent voler d’une activité à l’autre en avion à hélice, plutôt que de naviguer directement de menu en menu. Sur le plan technique, Nintendo Switch Sports Resort est compatible avec les modes sur table et téléviseur, le HDR sur les écrans compatibles et le son surround. Le jeu en ligne, jusqu’à quatre joueurs, nécessite un abonnement Nintendo Switch Online ; la progression peut être synchronisée grâce à la prise en charge de la sauvegarde dans le cloud.

Cette ambition élargie répond directement à l’une des principales critiques adressées au Switch Sports original, lancé avec une liste d’épreuves sensiblement plus réduite et sans véritable espace à explorer. En réintroduisant l’île Wuhu et en doublant presque le nombre de sports, Switch Sports Resort se présente comme un successeur plus complet de la formule de Wii Sports Resort, plutôt que comme un reboot revu à la baisse. Les amateurs de longue date des jeux de l’ère Wii disposent ainsi d’un équivalent plus fidèle sur les consoles modernes.

Les joueurs peuvent créer un personnage Sportsmate personnalisable ou un Mii traditionnel, utilisable dans toutes les épreuves. Un même avatar passe ainsi d’un sport à l’autre, sans être réinitialisé entre les parties.

Nintendo Switch Sports Resort sortira en exclusivité sur Nintendo Switch 2 le 22 octobre.

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