« Konketsu » : Alia Sugawara, spectatrice silencieuse de sa propre œuvre
Pour sa toute première exposition hors du Japon, l’artiste dévoile son approche intuitive de l’art, ses collaborations et sa quête de sérénité.
Alia Sugawara présente Konketsu (« 混血 ») est une exploration profondément contemplative et sereine de la tradition, de l’intuition et de la dualité. Actuellement présentée chez otherthings by THE SHOPHOUSE à Hong Kong, l’exposition est nichée à Tai Hang – un quartier discret, mais bouillonnant d’art contemporain et de créativité – et marque les débuts internationaux de cette artiste basée au Japon.
Pour cette exposition charnière, Sugawara présente une nouvelle série d’œuvres élégamment réalisées sur du papier washi japonais traditionnel à l’encre noire sumi. L’ensemble se décline en une variété de formats – kakemonos, paravents pliants et œuvres montées – qui exploitent tous la capillarité et l’absorption naturelles de l’encre pour faire affleurer une tension subtile entre férocité et grâce.
« …Je veux garder une part de contrôle, mais ce que j’aime avec la sumi, c’est qu’on ne peut jamais la maîtriser complètement. »
Renforçant l’intensité contemplative de l’exposition, une série de collaborations prestigieuses réunit de grands créateurs japonais, comme Jun Takahashi d’UNDERCOVER, le directeur artistique Tetsuya Nagato et le céramiste Kenta Anzai. Sur le plan technique, Konketsu marque une évolution significative dans la manière dont Sugawara utilise les matériaux traditionnels. Pour cette exposition, elle est passée du papier dosabiki (traité) à un papier traditionnel, non traité en washi. Ce changement l’a obligée à lâcher prise, l’encre se diffusant beaucoup plus librement dans les fibres brutes. En peignant « des milliers de papillons » pour apprivoiser cette interaction volatile, Sugawara a atteint un nouveau palier dans sa pratique, dessinant des lignes qu’elle estime dotées d’une beauté plus profonde, plus intrinsèque, que dans ses œuvres précédentes, plus structurées.
Au cœur de sa pratique se trouve un processus profondément intuitif qui refuse la sur‑analyse au profit de ce qu’elle appelle « observer » sa propre œuvre. Son motif principal – une fusion de papillons et de chauves‑souris – jaillit d’un « tas d’images » dans son esprit, nourri d’expériences réelles au contact de la nature. « Je n’invente pas vraiment quoi que ce soit », confie‑t‑elle, se décrivant comme un simple réceptacle des interactions avec les plantes et les animaux qui se métamorphosent dans son œil mental. Cette approche instinctive donne naissance à des pièces à la fois étranges et naturellement apaisantes, qui invitent le regardeur dans un espace d’une profonde quiétude.
C’est votre première exposition hors du Japon. Qu’est‑ce qui vous a donné envie de choisir Hong Kong pour cette première ?
Alia Sugawara : Hong Kong s’est imposée tout naturellement. La dernière fois que je suis venue, c’était pour Art Basel, et l’expérience m’a marquée. Le Japon n’a pas du tout la même énergie vis‑à‑vis de l’art. C’est une énergie de couleur différente – beaucoup plus feutrée, alors que Hong Kong est plus vibrante. Si je devais lui attribuer une couleur, Hong Kong serait orange ou rouge. Cela m’a paru très différent du Japon, et j’ai adoré.
Le titre de votre exposition est Konketsu. Que signifie ce mot pour vous, personnellement et artistiquement ?
Je ne considère pas mon art comme le reflet de moi‑même, donc je n’ai pas pensé à Konketsu de cette manière au départ. Mais une fois tout peint, le titre s’est imposé, puisque le thème principal, ce sont ces créatures issues d’un mélange de papillons et de chauves‑souris. En japonais, « sang mêlé » ne sonne pas aussi grotesque. Il s’agit de la dynamique entre deux groupes distincts – le résultat du mélange, mais aussi leur origine. Cela renvoie aussi à une grande partie de mon travail, à ces choses qui naissent de la rencontre de deux entités.
« Je veux que [les visiteurs] vivent quelque chose d’étrange et de nouveau, mais sans que ce soit menaçant… »
Pouvez‑vous nous raconter comment ce motif est né ?
Je ne l’invente pas vraiment ; il vient de choses que j’ai réellement vécues, souvent dans la nature, avec les plantes, les animaux – je vois dans mon esprit des choses qui ne sont pas là en réalité. C’est un tas d’images dans ma tête qu’il faut que je fasse sortir sur le papier. J’ai peu l’impression de contrôler ce que je peins – c’est très intuitif, très instinctif. Honnêtement, je crois que ce serait un vrai défi pour moi de dessiner ou de peindre des choses auxquelles je ne me sens pas liée.
Pour cette exposition, vous travaillez surtout à l’encre sumi sur papier washi, deux supports assez délicats. Dans votre processus, quelle part revient à dompter l’encre, et quelle part à la laisser vivre ?
Je me sens davantage observatrice de mon propre travail, et de l’encre sumi. Bien sûr, je veux garder un certain contrôle, mais ce que j’aime dans la sumi, c’est qu’on ne peut jamais la maîtriser totalement.
Je n’ai pas reçu de formation classique en peinture japonaise. Je suis simplement tombée amoureuse de ces médiums. Lors de mes précédentes expositions, j’utilisais du papier dosabiki, recouvert d’une fine couche de colle animale qui ralentit la course de l’encre et permet des lignes plus nettes et structurées. Mais ce papier ne dure pas aussi longtemps que le washi originel. J’ai voulu lâcher le contrôle et revenir à la voie traditionnelle, même si maîtriser l’encre y est bien plus difficile. J’ai peint des milliers de papillons pour trouver ce style.
Vous avez collaboré avec trois créateurs différents : Jun Takahashi, Tetsuya Nagato et Kenta Anzai. Comment ces collaborations ont‑elles vu le jour ?
Jun et Tetsuya, je les connais depuis longtemps. Ils avaient réalisé ensemble un kakemono, et nous avons décidé de créer une pièce en collaboration. Tetsuya est artiste du collage et a utilisé comme base un ancien papier perforé de boîte à musique, tandis que Jun et moi avons peint par‑dessus à l’encre sumi.
Anzai‑san m’a été présenté par mon galeriste, Alex. Nos œuvres dialoguent très bien – les kakemonos traditionnels sont d’ailleurs souvent associés à des pièces en céramique. J’ai utilisé ses céramiques pour donner l’échelle de mes kakemonos et paravents miniatures.
J’adore la façon dont vous jouez avec l’échelle des rouleaux et des paravents. La série de kakemonos miniatures est vraiment réjouissante.
Exactement ! Je veux que ce soit ludique et mignon. Je veux aussi que les gens se sentent plus proches des kakemonos : c’est un artisanat tellement ancien et traditionnel dans la culture japonaise qu’il peut paraître trop prestigieux, trop distant, pas vraiment comme quelque chose qu’un jeune achèterait. Pourtant, les kakemonos sont d’une grande beauté ; je voulais les réinventer pour les rendre beaucoup plus accessibles. Et en travaillant avec Jun et Tetsuya‑san, on s’en est encore un peu plus éloignés de la tradition, et ça me plaît énormément.
Quelle émotion souhaitez‑vous que les visiteurs emportent avec eux en quittant cette exposition ?
Je veux qu’ils vivent quelque chose d’étrange et de nouveau, mais sans agressivité. Je souhaite qu’ils ressentent une forme de paix, et en même temps une véritable appréciation de la beauté des arts traditionnels japonais.
L’exposition d’Alia Sugawara, Konketsu est actuellement présentée chez otherthings by THE SHOPHOUSE jusqu’au 10 mai 2026. L’exposition est accessible uniquement sur rendez‑vous.
otherthings by THE SHOPHOUSE
31 Sun Chun Street, Tai Hang, Hong Kong
