Robert De Niro et Al Pacino en vedette dans la dernière campagne Moncler
Intitulée « Warmer Together », elle a été photographiée par le légendaire portraitiste Platon, qui a également réalisé une série de courts métrages mettant en scène ces géants du cinéma.
Ce n’est pas tous les jours qu’on a le privilège de voir, à l’écran, deux des plus grands noms du cinéma réunis. D’ailleurs, s’agissant de Robert De Niro et d’Al Pacino, on peut compter les films où ils ont joué ensemble sur les doigts d’une main – The Godfather Part II (1974), Heat (1995), Righteous Kill (2008), et The Irishman (2019) – et il vous restera même un doigt.
Place à la dernière campagne de Moncler : Warmer Together – techniquement la cinquième fois que le duo apparaît ensemble à l’écran, mais officiellement « leur toute première campagne commune ». Et si les doudounes Moncler ne suffisaient pas à vous tenir chaud, la complicité de De Niro et Pacino s’en chargera : leur amitié de toujours irradie à travers l’écran, aussi bien dans les visuels que dans les courts métrages qui composent la campagne.
Dans le sillage de Coppola, Mann, Avnet et Scorsese – réalisateurs des films susmentionnés, respectivement, qui ont eu le rare privilège de diriger le duo De Niro‑Pacino – s’invite Platon, photographe britannique surtout connu pour ses portraits iconiques de dirigeants du monde, qui ont façonné leur époque. « Je pense avoir photographié plus de dirigeants que quiconque dans l’histoire, désormais », confie‑t‑il à Hypebeast, avant d’ajouter « mais c’était un immense honneur de diriger ces deux-là. »
Tournée dans le studio new‑yorkais de Platon, la campagne montre Bob et Al se blottir l’un contre l’autre face caméra comme vous ne les avez jamais vus. Captée dans le style signature de Platon, il en ressort une série de portraits monochromes percutants, accompagnée d’une suite de courts métrages, que Moncler décrit comme « une expression cinématographique de l’amitié, du lien et de la chaleur humaine » entre « deux amis de toujours ».
On pourrait considérer Warmer Together comme une légère entorse au travail habituel de Platon. L’artiste a photographié tout le monde, d’Obama à Kadhafi,
Pour Platon – qui a photographié tout le monde, du colonel Kadhafi au président Obama – Warmer Together pourrait, d’un côté, paraître une parenthèse dans son œuvre. Mais de l’autre, pour un artiste dont l’objectif est braqué sur la « condition humaine » et sur le «lien humain » – des expressions qu’il a répétées à plusieurs reprises en parlant à Hypebeast –, c’était simplement un jour de plus au studio.
Hypebeast a rencontré Platon à l’approche du lancement de la nouvelle campagne de Moncler Warmer Together campagne. Il a évoqué son art et ce que cela fait de travailler avec des géants comme De Niro et Pacino, tout en partageant des conseils pour les photographes émergents et des anecdotes savoureuses du plateau. À découvrir ci‑dessous…
Vous avez photographié nombre de légendes. Était-ce différent d’en photographier deux en même temps – Bob De Niro et Al Pacino – qui, en plus, sont de très bons amis ?
Eh bien, j’avais déjà travaillé avec eux deux. En fait, Pacino, la première fois, c’était il y a peut‑être 25 ans. À chaque collaboration, le temps passe : il a vieilli, j’ai vieilli, et c’est pareil avec De Niro. J’ai vécu des moments vraiment magiques avec eux par le passé, mais les avoir réunis ainsi était incroyable. Et pour la partie film de [la campagne], ce fut un immense honneur de diriger ces deux-là. Je veux dire, diriger Pacino et De Niro ensemble… peu de gens ont fait ça dans l’histoire. Et pour un photographe, c’était une expérience profondément humble. Mais ce qui est extraordinaire, c’est que j’ai toujours essayé d’apprendre de mes sujets. Toujours. Si vous passez des moments magiques avec des gens, vous devez repartir avec un sens élargi de la condition humaine – à chaque fois, et c’est cela qui nourrit mes images.
Il y a une vraie impression d’amitié qui se dégage des visuels – on sent que ce sont deux hommes qui ont énormément de respect l’un pour l’autre et qui sont amis. Mais on perçoit aussi une vraie part d’espièglerie dans les photos.
Ils sont très différents en tant que personnes. Et ce n’est que mon impression, mais Bob est un maître de la concentration. Il entendrait une mouche voler – et si on est en plein travail, il lèvera la tête et lancera à quelqu’un ce regard que personne n’a envie de recevoir, parce que quelqu’un a laissé son téléphone allumé ou autre. Et ce n’est pas qu’il soit difficile : il dégage une forme de calme, et il est assez réservé quand vous le rencontrez, mais il impose sa présence par sa concentration. Je n’ai jamais rencontré une concentration professionnelle d’un tel niveau.Al est quelqu’un de beaucoup plus extraverti, d’assez ouvertement émotionnel. Il poussera des cris de joie, ou se montrera frustré, et c’est beaucoup plus extérieur. Vous avez donc deux personnages très différents, et les réunir est vraiment intéressant. On n’a pas seulement deux amis, mais deux personnalités très différentes qui se retrouvent à mi‑chemin.À un moment, je leur ai demandé de s’enlacer pour une photo, et de tenir la pose une seconde. Fidèles à leurs racines italiennes, les hommes méditerranéens se prennent toujours dans les bras. Et tandis qu’ils se faisaient une accolade, j’ai vu qu’Al et Bob se chatouillaient en douce sous les bras ! Cela a créé un éclat de rire vraiment, vraiment tendre. On a capté la malice, la légèreté. Je sais qu’ils ont tous les deux incarné des personnages assez intimidants, mais, en tant que personnes, leur amitié a révélé leur côté joueur et leur humanité. C’est soit tendre et philosophique, soit mutin et ludique, et ils se taquinent. J’ai trouvé que c’était une très jolie manière de montrer l’amitié dans cette campagne.
En tant que portraitiste, comment garder une image honnête en 2025 ?
C’est une très grande question, qui mérite une grande réponse. J’y pense beaucoup et je commence à comprendre que le plus important pour nous tous est d’être plus curieux et moins dans le jugement. En tant que portraitiste, ce n’est pas la photographie qui compte – c’est un peu ennuyeux, c’est un exercice technique. Le plus important, c’est votre capacité à vous connecter aux gens et à partager une expérience. Dans certains cas, je ne suis pas toujours d’accord avec mes sujets. En fait, j’ai photographié la plupart des dictateurs du monde et il y a beaucoup de choses auxquelles je m’oppose fondamentalement. Mais quand on juge, on réduit sa capacité d’observer et de découvrir : on porte des jugements et on rétrécit sa bande passante, et quand on est curieux, on l’élargit. J’ai donc appris à ne pas juger. Ce n’est pas à moi de juger. C’est à l’histoire de juger.Soyez ouverts, soyez curieux les uns des autres, mettez le jugement de côté, et vous découvrirez davantage le monde dans lequel vous vivez. Je crois que c’est là où j’en suis à ce stade de ma vie.
Votre travail se situe à l’intersection du pouvoir et de l’humanité à bien des égards. Comment naviguez‑vous cette tension ? Et était‑ce différent dans un contexte plus culturel et mode, comme pour cette campagne ?
Le pouvoir m’intéresse vraiment. Et je me demande souvent : le pouvoir révèle‑t‑il qui nous sommes vraiment, ou bien se met‑il à déformer et corrompre à mesure qu’on l’acquiert ? Je soupçonne que c’est un peu des deux. Je pense avoir photographié plus de dirigeants mondiaux que quiconque dans l’histoire, et j’ai ce petit tabouret – ma petite apple box sur laquelle tout le monde s’assoit – qui a vu passer plus de dirigeants que n’importe quelle autre chaise de l’histoire. Quelqu’un aux Nations unies me l’a dit.Même Muhammad Ali s’y est assis, vous savez. C’est intéressant, car ce n’est qu’une boîte. D’un côté, la boîte n’a en soi rien de spécial. De l’autre, c’est un symbole de pouvoir. Il y a une forme de démocratie là‑dedans.Normalement, je travaille de manière très intime :Les gens viennent dans mon studio de New York, c’est très calme, très respectueux. Mon équipe – une petite équipe – et moi restons humbles, parce que je veux cette intimité.Eh bien, sur ce tournage, il y avait quelque chose comme deux ou trois cents personnes sur le plateau – le plus grand plateau sur lequel j’aie jamais été, je crois, parce qu’il y avait aussi l’équipe cinéma. Donc, l’ensemble était un peu écrasant. Même pour Bob et Al : en entrant, ils ont tous deux dit « Qui sont tous ces gens ? ». C’était immense, mais je m’épanouis aussi dans cet environnement.Je dois travailler très dur pour que toute cette projection de pouvoir, de succès et de personnes n’empiète pas sur l’intimité et l’humanité du travail. Au moment où l’on est sur le plateau et où je filme, je leur parle – je capture leur essence. Il faut protéger cela.Préserver l’authenticité humaine est extrêmement difficile, surtout quand nous sommes tous distraits.
Alors, dans cet environnement, comment trouvez‑vous un véritable moment d’intimité ?
C’est précisément mon travail : me caler sur la fréquence de quelqu’un, comme sur un vieux poste de radio, en me concentrant très fort jusqu’à trouver sa station. Et quand vous trouvez sa station, c’est d’une beauté inouïe. Se syntoniser sur l’humanité de quelqu’un et découvrir qui il est vraiment comme personne, cela demande énormément de concentration, et c’est ce que j’ai fait sur ce tournage.
Quelle est la première chose que vous cherchez quand quelqu’un entre dans la pièce ?
Il faut savoir « lire » une pièce très, très finement. La période avant un shoot est une expérience très désagréable pour moi. Je me sens très seul. Je dois décupler mes capacités de concentration et d’observation. Il y a beaucoup de bruit et de distractions, que j’essaie d’apaiser. C’est très proche de la condition d’un athlète. Si vous regardez un athlète se préparer avant un sprint aux Jeux olympiques, par quoi passe‑t‑il ? Je suis sûr que, quand vous préparez une interview, vous concentrez votre esprit pour être dans la zone au moment où ça commence. Donc c’est… athlétique, mais dans la tête. Voilà ce avec quoi je compose.
Quelle part de votre travail relève de l’instinct, et quelle part de la préparation ?
Eh bien, il y a beaucoup de préparation, mais elle est entièrement mentale. Rien de physique. Je n’ai pas de décors – juste un fond blanc, une seule lumière et une apple box. Pas de rideaux, pas de fauteuils grandiloquents pour créer une ambiance. Tout vient de mon sujet. Et, bien sûr, je n’ai pas encore rencontré mon sujet, donc je ne sais pas quel esprit il va avoir. Et même si je le connais et l’ai déjà photographié plusieurs fois, chaque fois est différente parce que vous ne connaissez pas l’humeur du jour. Il faut donc être très respectueux de la condition humaine, et on ne sait pas ce que quelqu’un vient de traverser. Je me souviens avoir travaillé avec Heath Ledger, et il paraissait si distant. C’était un garçon très doux, mais il était très distant et difficile à atteindre. Et, bien sûr, je ne savais pas pourquoi sur le moment, mais, vous savez, il est mort quelques mois plus tard. Et j’ai compris après coup qu’il était tourmenté, qu’il luttait avec sa vie à ce moment‑là et avec l’idée de la célébrité, du succès et de la responsabilité – il se débattait vraiment. Chacun arrive avec des histoires émotionnelles différentes – et c’est ce qui est fascinant dans mon métier, car chaque fois, l’expérience est autre. L’image finale, c’est 1/500e de seconde. Les photos que vous voyez d’Al et Bob ne sont qu’une fraction de seconde, et d’une manière ou d’une autre, quand on vise juste, c’est ce fragment de seconde qui compte.
Votre idée de ce qui fait un grand portrait a‑t‑elle évolué au fil des années ?
Vous savez, quand j’étais plus jeune, tout relevait de l’instinct – j’avais l’intuition que « celui‑là » est le bon. En vieillissant, j’ai commencé à comprendre pourquoi le moment est le bon. Mais cela n’a pas changé : mes instincts sont les mêmes.Chaque personne a ce moment, quand vous lui parlez, où elle révèle quelque chose de magique d’elle‑même. Quand j’étais plus jeune, j’étais attiré par ces moments, mais je ne savais pas vraiment pourquoi.Peu importe que ce soit en noir et blanc ou en couleur. Peu importe le cadrage ou l’objectif utilisé. Tout ce qui compte, c’est que vous regardiez cette image et que vous fassiez « waouh ». On ne peut pas le fabriquer. Il n’y a pas d’étude de marché pour ça. On parle de connexion humaine, et nous savons tous reconnaître ce frisson quand on le ressent.
Par curiosité, qu’y a‑t‑il dans votre sac ?
J’utilise en réalité seulement deux types d’objectifs. Parfois trois. Le rapproché, qui raconte ce qui se passe dans les détails du visage ; quand vous allez vraiment, vraiment près, vous verrez si quelqu’un est nerveux – il y a une petite tension sous l’œil, le visage est tellement expressif de ce qui se joue dans l’âme. Quand je m’approche, c’est une expérience très intime. J’ai déjà été à un pouce et demi du nez de Poutine. Je pouvais sentir son souffle sur ma main en faisant la mise au point. C’est comme ça que j’ai obtenu la vérité. Parce que c’était une expérience intime, il m’a fait confiance et je lui ai fait confiance, à cet instant. Puis j’ai un objectif plus large qui décrit tout autre chose : le langage corporel. Oubliez les mots. Nous nous exprimons en permanence par nos expressions faciales et nos mouvements du corps, et parfois vous bougez d’une manière intéressante, la façon dont vous vous penchez, dont vous vous adossez – toutes ces choses décrivent ce que vous ressentez à l’intérieur en tant que personne. Je vois tout ça ; c’est mon langage, ma grammaire, et l’objectif grand‑angle m’aide à vous décrire de façon plus physique. L’objectif rapproché, lui, va vraiment… au plus profond : dans votre esprit, dans votre âme.
Et au quotidien, qu’emportez‑vous toujours avec vous ?
[Sort un iPhone] J’ai un téléphone, que j’utilise tout le temps. Je m’en sers pour prendre des notes, pas des notes écrites : des notes visuelles. Je photographie sans cesse des choses : une belle typographie aperçue sur un mur, une forme, ou simplement une très belle combinaison de couleurs. Avant, je dessinais tout le temps dans un petit carnet dans le métro : je croquais des gens qui s’assoupissaient et leurs attitudes. Je suis assurément un étudiant de la condition humaine, et cela continue de me fasciner. Je ne peux pas m’empêcher de remarquer, par exemple, la façon dont une vieille dame marche dans la rue, comment elle tient son sac et répartit le poids de son corps. Je vois ces choses‑là et je les trouve si fascinantes – et parfois vraiment belles – dans la manière dont quelqu’un se meut. À une époque où nous nous noyons tous dans les distractions technologiques, il est vraiment important de s’accorder ces moments de réflexion et de regarder le monde autour de nous. Observez la manière dont bouge quelqu’un que vous aimez, même en faisant la vaisselle. Prenez un moment pour l’admirer, car quand ces personnes ne seront plus là, vous ne pourrez plus le faire – et on vous aura volé ça parce que vous étiez sans cesse distraits par les textos, les e‑mails et les réseaux sociaux. On le fait tous. Moi aussi. Il faut lutter contre ça, ouvrir les yeux, ouvrir le cœur, et recommencer à voir à quel point nous sommes beaux, en tant qu’êtres humains.
Selon vous, qu’est‑ce qui fait qu’un photographe se distingue à l’ère du smartphone ?
Je pense que c’est un véritable insigne d’honneur d’être photographe, car un photographe – un bon photographe – est en réalité un provocateur culturel. Et, par notre travail, nous suscitons un débat respectueux dans la société. Quand nous sommes bons, nous tendons un miroir à la société en disant : « Voilà qui nous sommes, et il faut qu’on en parle. » Voilà un bon photographe. Je crois que nous avons clairement besoin d’une nouvelle génération de photographes. Le monde des magazines dans lequel j’ai grandi s’est effondré. Cette ère est révolue, et ce qui est vraiment excitant aujourd’hui, c’est que, dans cette nouvelle ère, l’intermédiaire n’existe plus vraiment. Désormais, chacun a la possibilité de parler avec son cœur, et nous avons tous une plateforme pour toucher tout le monde. Le revers, bien sûr, c’est qu’il y a des millions, des milliards de personnes qui prennent des images aujourd’hui, plus que jamais dans l’histoire. Mais comment percer le bruit ? Cela dépend vraiment de vous – et, désormais, c’est votre voix qui fait la différence. Je trouve que c’est une idée très démocratique. J’adore ça, et je l’embrasse.
Quel conseil donneriez‑vous aux jeunes photographes qui cherchent leur voix dans un monde régi par les algorithmes ?
Je pense que l’algorithme est la malédiction de notre génération, parce que l’humanité ne fonctionne pas avec un algorithme. Ce qui rend la culture vraiment excitante, c’est quelqu’un d’authentique qui exprime ce qu’il a vraiment dans le cœur. Si l’on pense que Van Gogh n’a pas vendu un seul tableau de son vivant, cela fait‑il de lui un artiste médiocre ? Non. On le disait à l’époque, mais en réalité il était tellement en avance qu’il a fallu 40 ans après sa mort pour vendre ne serait‑ce que sa première toile. Donc, aux jeunes photographes, je dirais ceci : soyez authentiques, on a besoin de vous ; vous vous sentirez seuls et parfois non validés, mais le plus important est d’avoir du respect pour vous‑mêmes et de pouvoir nourrir votre amour de l’expression personnelle. Si vous pouvez vous suffire à vous‑mêmes sans dépendre de la validation des autres, alors vous êtes libérés des chaînes de l’acceptation – et vous devenez puissants, parce que vous êtes votre propre personne. J’ai passé une journée avec Quincy Jones une fois, chez lui, et je lui ai dit : « Quincy, quand tu étais un jeune homme noir en Amérique, essayant de percer dans une industrie blanche, tu as dû faire face à beaucoup de racisme et d’opposition. Que disais‑tu aux gens qui se mettaient en travers de ta route ? » Et son visage a changé, un regard puissant a traversé son esprit, et il a dit : « Voilà ce que je disais à mes opposants : “Pas une seule goutte de ma valeur personnelle ne dépend de ton acceptation.” » C’est ce que je dis aujourd’hui à la jeune génération de photographes. Soyez autonomes, soyez dévoués – vous devez consacrer votre vie à devenir des artisans. Vous devez apprendre votre métier et ne pas dépendre de l’algorithme ni de la validation [des autres].
Pour finir… que pensez‑vous de l’IA et de l’impact qu’elle aura sur votre métier – celui de la photographie ?
Eh bien, en ce moment, il y a une course géante pour rafler la plus grosse mise dans le business de l’IA. Donc, tout le monde construit. C’est comme des voitures de course conçues pour aller le plus vite possible jusqu’à la ligne d’arrivée, mais on ne se concentre pas vraiment sur le système de freinage ni sur la sécurité de la voiture qu’on fabrique. C’est parce qu’ils ne peuvent pas se permettre de penser à ralentir ne serait‑ce qu’une seconde, de peur de perdre la course. On se retrouve donc avec cette dynamique étrange – et, je pense, assez dangereuse – où l’on est plus focalisés sur le fait de gagner la course économique de l’IA que sur les garde‑fous pour la société. Je pense qu’il y a de grands risques culturels. Il faut se rappeler ce que signifie le « A ». C’est « artificielle » – et, pour l’instant, c’est une nouveauté. Tout le monde est très excité par l’idée que telle chose, telle image, tel film ou telle musique, quoi que ce soit, n’a pas été faite par un être humain. Pour l’instant, c’est une curiosité, et c’est ce qui nous distrait. Mais avec le temps, je crois que les choses vont s’équilibrer et que nous allons réaliser : « Attendez une minute, cette chose peut nous impressionner, mais a‑t‑elle une âme ? » Un ordinateur peut avoir de l’intelligence, mais il n’a pas d’âme. L’âme de quelqu’un, c’est ce qui rend une chose vraiment belle – la vulnérabilité, les sensations, les émotions. Parfois la rage, parfois la joie. Toutes les facettes de la condition humaine – c’est cela qui rend quelque chose vraiment beau. Ce n’est pas juste l’intelligence.
